Corso Gomez ataca

La puñalada

2010-02-15T12:29:00.002-03:00

Acá subo una hermosa versión de la milonga La Puñalada (Castellanos / Flores) interpretada por Horacio Larumbe en el Teatro del Parque España en octubre del 2002.

Los cinco discos de Diego Casanova (Rosario Smowing)

2007-09-23T17:58:00.000-03:00

1- Pappo’s Blues III (1973)

Algún extraña razón nos lleva a que no escuchemos casi nunca más los mejores discos de nuestra vida. Quizás ya se integraron tanto a nuestro mundo y podemos recurrir a sus canciones sin necesidad de cds, cassettes o reproductor de mp3. Puede que sólo nos queden por delante esos felices momentos en que encontramos nuestros pequeños tesoros personales en la radio, al pasar por una casa o vaya a saber uno donde. La felicidad que suele provocar la coincidencia inesperada.

Mate por medio Diego Casanova, cantante de la Rosario Smowing, ya tenía en mente qué discos iba a nombrarme. Discos que habían cambiado su vida pero que hacía demasiado tiempo no escuchaba. A los 12 años le regalan Pappo’s Blues III “y lo que tocan esos tres negros me mató” dice al borde de la exaltación. “¡Pappo, Machi y Pomo! ¡Qué jugadores!” Pappo para este tercer disco cambia a Black Amaya y David Lebón por Machi y Pomo que se reencontrarían pocos años después en Invisible junto a Spinetta. “Me decían que cómo podía escuchar a un tipo que cantase así de feo y con letras tan básicas, pero yo ya apostaba a la simpleza, lo mínimo”. Recordamos una canción hermosa –cantada por Machi– como El sur de la ciudad y hablamos de ese casi desprecio que parecía tener Pappo por el formato canción. Para él las canciones eran solamente excusas para sus solos de guitarra y la mitología cuenta que las letras las componía en el mismo estudio de grabación minutos antes de tener que grabar la voz. “Quizás la poesía de él pasaba por ese lado” resume Casanova. La poesía directa, el guiño canchero con la boca torcida. Quien pueda disfrutar de una frase como “no puedo evitar que vengan hacia mí los sandwiches de miga” seguramente podrá disfrutar la obra entera de Pappo como letrista.

Muchas veces al premiarlo por su virtuosismo como guitarrista lo que se está haciendo es ningunearlo como músico total: compositor y cantante. Artista. “Las letras de Pappo me emocionan desde su simpleza, me llegan directo sin ninguna complicación innecesaria”. La posta que Casanova trata de recoger día a día de ese artista es justo esa: el despojar la canción de lo accesorio para encontrar el núcleo, lo importante. “Eso que podés silbar distraidamente en tu casa mientras tomás un mate”.

Pappo’s Blues III

Año – 1973

Pappo: guitarra y voz

Machi Rufino: bajo eléctrico

Pomo: batería

Pappo’s Blues III es tal vez el disco más querido de esta banda que tenía un estilo llamado rock pesado por esos años. El único disco grabado con Machi Rufino y Pomo. El tema instrumental Stratocaster Boogie muestra la versatilidad de Pappo como guitarrista y El sur de la ciudad da cuenta de su veta compositora muchas veces olvidada.

2 – Salve (La Polla Record) 1984

El punk rock siempre estuvo conmigo y “Punky de postal, punk de escaparate. Moda punk en Galerías ¡Muy punk!”, las letras de este grupo son impresionantes.

3 – Blank Generation (Richard Hell & The Voidoids) 1977

Una versión casi inglesa del punk americano con Robert Quine (guitarrista) que muestra en el arte de tapa su carnet de estudiante de Berkley y un Marky Ramone que por esos años se llamaba Marc Bell. Casanova muestra orgulloso su vinilo

4 – La llorona (Chavela Vargas) 2004

La fui a ver al Luna Park el año pasado y debo confesar que no pude parar de llorar de la emoción. Ella parada con su poncho y sólo dos guitarristas. Increíble. Grabé el recital y se escucha mi llanto de fondo todo el tiempo.

5 – U.S.A. (King Crimson) 1975

Es uno de los discos que más veces escuché en mi vida. No se puede creer que una banda suene así en vivo.

Los cinco discos de Pablo Pino (Cielo Razzo)

2007-09-23T17:53:00.000-03:00

1 – Ten (Pearl Jam) 1991

Cuando uno piensa en ese disco que cambió nuestra relación con la música -o con el mundo- lo más usual es que todo nos remita a la adolescencia. Allí, en ese momento, se cifra nuestra identidad y futuro. Y el caso de Pablo Pino no es una excepción a esta regla. Porque después de pasar por discos de Ramones y Ataque 77 “a los que escuchaba más que nada para sentir la pertenencia a un grupo” alguien le muestra Ten, el primer disco de Pearl Jam. Alguien que conoce en unas vacaciones familiares en Brasil y que se transformará en su primer dealer musical, “uno de esos tipos generosos, con discos que te abren la cabeza”.

Corría la década del ’90 y el vaporoso sueño de pertenecer al primer mundo se palpaba en todos lados. Argentina establecía relaciones carnales con países más poderosos y un Pablo Pino adolescente escuchaba Jeremy “sin entender una palabra en inglés”, esa canción de Pearl Jam que habla de un chico que se pega un tiro delante de sus compañeros. “Igual yo sabía de qué hablaba: de que no todo estaba tan bien en ese primer mundo, de que algo malo pasaba y por ese costado empiezo a escuchar Ten sin parar”. Tanto que gastará el primer disco, comprará un segundo que terminará prestando y perdiendo, y recibirá un tercero de un amigo. “Por esa época tocaba Black en la guitarra porque era la única que podía tocar. Veía mil veces los videos de Alive y Even Flow por MTV, pero me costaba encontrar gente que compartiera mi gusto.”

El dealer/amigo que una tarde en Brasil le mostró ese disco de Pearl Jam no imaginó jamás que el adolescente Pablo Pino buscaría y encontraría gente con las mismas pasiones e inquietudes. Que esa gente armaría una banda que hoy se llama Cielo Razzo y que ya está preparando su quinto disco. “En mi vida siempre le he dado mucha importancia a esa gente que te tira discos, esos dealers, porque es una oportunidad de conocer cosas que de otra manera no llegarían a uno” dice Pablo Pino mientras se promete a sí mismo llamar a ese viejo amigo.

Ten

Año – 1991

Integrantes:

Eddie Vedder Vocals

Mike McCready Guitar

Stone Gossard Guitar

Jeff Ament Bass,

Dave Krusen Drums

Ten es el disco quizás más clásicamente rockero de la ola grunge que a principios de los ´90 se origina en Seattle. Con letras que hablan de gente sin hogar, violencia, juventud perdida pero que, sin embargo, no le quitan potencia ni accesibilidad. La voz de Eddie Vedder y la guitarra de McCready (tan Clapton, tan Hendrix) serán sus marcas registradas.

2 – The real thing (Faith no more) 1989

Un disco de una contundencia impresionante pero con unas melodías, como la de Epic, que no se pueden creer.

3 – Tuesday night music club (Sheryl Crow) 1993

Es un disco de canciones hermosas que me hicieron estar casi enamorado de Sheryl Crow y su guitarra.

4 – Paralamas (Paralamas do Sucesso) 1991

Siempre tuve ganas de hacer un cover de ellos. En especial de “Linterna de los afiebrados”. Verlo a Vianna tocando es siempre una cosa muy fuerte.

5 – Ahí vamos (Cerati) 2006

Tantos se lo pierden por prejuiciosos. Yo fui a verlo y me encantó.

Nota sobre el show de The Broken Toys y The Tormentos en Willie Dixon

2006-02-25T18:16:00.000-03:00

Los espectáculos de verano en Rosario suelen ser problemáticos y esas mesas de ping-pong y metegoles en medio de la pista del Willie Dixon son un síntoma clarísimo de esa desorientación. Así y todo las cosas siguen: The Broken Toys confía en sus seguidores y dobla la apuesta a favor de la música retro invitando en esta ocasión a The Tormentos (banda surfer de Buenos Aires).
La demora –lamentablemente ya clásica– de estos espectáculos hace que la mirada “antropológica” se pasee entre una fauna que recorre todas las posibilidades que van desde el jopo rockabilly hasta los accesorios punks de galería céntrica. Está bueno ver lo que lleva de producción (tiempo y dinero) cada vestimenta porque esta es la manera en que el público participa activamente en este tipo de shows. Y subrayo activamente porque este paisaje forma parte del show. Muy distinto sería ver el show repleto de gente con jeans y remeras, gente más aburrida como este cronista.
Luego de la espera el show abrió con la música de The Tormentos, un cuarteto de música surfer con muchas ganas de divertirse. Los gritos de su líder (Mr.M, el bajista) ponían en pie de guerra (o de baile) al público y exteriorizaban por otro lado la energía de esta música instrumental con claras influencias de bandas legendarias como The Ventures o Dick Dale. Esos típicos sonidos sixties (guitarra con mucha reverberación) pero pasados por el tamiz punk. El cover de Massacre Palestina, “Diferentes maneras”, es uno de esos puntos de cruce entre ambos géneros que el viernes mostró que lo retro está más actual que nunca y que puede seguir divirtiéndonos hoy mismo.
No había mucha gente en la noche pero la entrega al show de The Broken Toys era inversamente proporcional a la cantidad de público. Con el muy buen disco “Noches & Pecados” en su haber, se les nota que tienen hambre de hacer las cosas bien. Y lo logran. Mc. Fly no es un cantante que descolla pero pone tanto nervio a lo que hace que termina ganando por la pasión. Secundado por el hiperkinético Sebastián Delfino, que hace bailar a su contrabajo como loco, el show es un gasto de energía que se transforma en agradecimiento de los que disfrutan la música retro. Que festejan y conocen los hits de la banda: “Tu papi no sabe” o “Mueve tu cuerpo”.
Confieso no ser fanático de estos géneros y que a veces, por ignorancia, las canciones comienzan a sonarme iguales entre sí. Es cierto, pero también lo es el hecho de que The Broken Toys (y sus interesantes invitados) van creando un lugar musical en Rosario que tiene sus fans y que no esta cerrado, para nada., a quienes de vez en cuando nos gusta curiosear en otros mundos.

Nuevos discos de los Presidentes de allá arriba

2005-12-04T13:27:00.000-03:00

Sufrimos mucho los pocos fans de esta banda cuando a mediados del 2001 una noticia empezó a correr en la web: Freaked out and small (2000) había sido el último disco de The Presidents of the United States of America. Los blogs y páginas de fans (no tantas) contaban que Chris Ballew, su cantante y bajista había tenido un hijo y andaba con ganas de abandonar un poco el mundo de los business musicales para ser un padre-presente. El gesto tenía algo de dignidad, esa que le conferimos automáticamente a toda persona que renuncia a algo, pero lo más importante era que al fin y al cabo nosotros no tendríamos más discos de ellos.

En aquel entonces me propuse escribir una nota sobre ellos. Quería contar mi versión de quiénes eran, o lo que era peor: quiénes habían sido. Como tantas otras cosas que no hice, la nota fue volviéndose interminable y a cada rato encontraba algún nuevo dato que debería incluir.
Siempre me habían gustado sus canciones, cercanas al sonido grunge, sí, pero sin esa oscuridad y ese sufrimiento. Eran de Seattle, como Nirvana, pero despertaban la sospecha de que habían encontrado el secreto para ponernos contentos sin que eso signifique simplemente hacernos caer en la estupidez. Una alegría bien entendida, algo así como la de los discos de Talking Heads o They Might Be Giants, que te pueden levantar un mal día con sólo una canción de tres minutos. Todos conocimos a The Presidents por Lump (“she’s lump, she’s lump, She might be dead”) o Peaches (los “millions of peaches for free” que El Otro Yo luego consideraría inútiles para la salvación en 10.000.000).

Una guitarra con tres cuerdas, el bajo con dos cuerdas y una batería (sin cuerdas, bromean ellos) apenas completa. No necesitaban más que eso para hacer buenas canciones. Nada de solos y virtuosismo, ellos buscaban la estructura despojada de la canción. Como los Ramones en los setenta. Si la canción es lo suficientemente hermosa se banca con indiferencia su desnudez en cualquier lugar. Y a esta estética The Presidents la lleva hasta sus últimas consecuencias. No hay siquiera traición en el piano que se agrega en Tiny explosions: es apenas rítmico. Por eso sus discos apenas sobrepasan los 30 minutos, lo que nos lleva a intuir que muchos discos –obvio, no todos– podrían reducirse a esa duración y que el resto es apenas exhibicionismo técnico.
En las disquerías de Rosario era muy difícil conseguir noticias de ellos pero por suerte está la web: Pure Frosting (1998) se podía bajar (o ¿por qué no? comprar en varias tiendas virtuales). Un disco de versiones en vivo, de cosas nunca aparecidas en disco, etc... lo que decía Frank Zappa: “otro intento de las discográficas de venderles dos veces lo mismo”. Sí, pero cómo puede hacer un fan para contenerse ante ese ofrecimiento. Sí, sí, ya sé, la nostalgia por ellos no se calmará por un disco de “lados-B” pero es un poco más digno que formar una banda tributo y decir: “ya que nos los pude ver, esto es lo más cercano que puedo tenerlos”. No, vade retro, el disco de misceláneas estaba bien: aceptable.

La nota que nunca escribí iba a terminar con una reflexión sobre qué hacer con la horfandad en que nos dejan nuestros grupos amados pero una noticia que me llega de un sitio (alguno de ésos a los que uno se suscribe sin saber bien por qué) volvía a cambiar las cosas. ¡The Presidents se reunía otra vez! Y no para una despedida “como nuestros fans se merecen”, sino con disco nuevo bajo el brazo. Qué miedo. Uno ya estaba empezando a idealizarlos y ahora habría que ver si ese regreso pagaba nuestras expectativas.

Love Everybody es el nombre de esos 35 minutos de felicidad que The Presidents nos regala en 14 canciones. Ninguna nostalgia, ninguna mirada poco elegante de su pasado. Que bueno contar con una banda que no actúa lo que ya fue. Que bueno no estar huérfano de banda y poder pensar en serio que no toda la buena música pertenece al pasado.

Show de Gillespi en Luna Bar el viernes 21-10-2005

2005-12-04T13:21:00.000-03:00

La banda de Gillespi vino, vió y venció. Un público ansioso lo esperaba en la calurosa noche del viernes y el trompetista de Buenos Aires llegó para cumplir con las expectativas que genera su propuesta: música y humor. En un escenario excesivamente pequeño, los 7 integrantes de la banda trataron de acomodarse y sortear los problemas de sonido -de todo tipo- que a través de la noche fueron surgiendo. Problemas que contribuyen, a su manera, a crear ese clima de "living con amigos a las cuatro de la madrugada" tan característico de los shows de Gillespi.

Con canciones de sus último discos -"Es" y "Bell Vill"- y una banda formada por Pablo Plebs (guitarra), Juan Miguel Valentino (Guitarra), Gustavo Giles (Bajo), Gerardo Prícolo (Batería), La Cabra (voz) y Alejo Scalco (teclados) el show avanzó con soltura. Se extrañó la presencia de Patán Vidal en piano, anunciada por los diarios, que ha venido acompañándolo desde hace tiempo aunque es justo decir que Scalco cumplió con solvencia su reemplazo. Si dejamos de lado las cuestiones de un sonido deficiente, la banda de Gillespi sabe muy bien lo que hace. Los solos a la Wes Montgomery de Valentino (que tiró la idea de venir con su grupo "Valentino Jazz Bazar" para estos pagos), el color más rockero de Pablo Plebs, la voz de La Cabra -¡increíble!- y un solo cargado de buen gusto, algo de pirotecnia y mucho de destreza a cargo de un impecable Gustavo Giles que recibió una ovación gigantesca y se convirtió en el punto más alto de la noche.

Cuestiones musicales que hay que remarcar porque a veces lo humorístico es tan preponderante en sus shows que uno empieza a olvidarse de que esto también era una invitación para escuchar música. De lo otro, el humor, Gillespi se encarga jugando con historias inverosímiles sobre los integrantes de la banda, haciendo el horóscopo chino de alguien del público (Valentino es su astrólogo estrella en el programa de las medianoches de la FM Rock & Pop) y riéndose del nivel de desorganización de sus perfomances. Los que fueron a buscar sólo música salen un poco -no mucho- defraudados, los que fueron a ver al conductor de Radio y Televisión y muy poca música también. Salen beneficiados quienes saben que van tener la oportunidad de estar en el living de Gillespi, escuchar a su banda de ¿funk? ¿jazz? y reirse un rato con sus ocurrencias. Un buen rato con alguien que se parece bastante a un amigo personaje.

Recital de Tai y X-Piral en El sótano

2005-09-07T16:54:00.000-03:00

La noche estaba anunciada como "Noche de Nü Rock" y hubo algo de publicidad engañosa en el título. Quizás la parte más "rock" la iban a aportar la gente de Minicubics -no lo sé- pero la noticia de que el cantante de esa banda tuvo "problemas personales" y no se pudo presentar a último momento nos dejó a solas con la parte "nü". Nü metal para ser más precisos: porque, digámoslo de una vez, lo del jueves fue una noche de "Nü Metal", y bien clásico. Guitarras con buenas pedaleras, contrastes entre serenidad contenida y explosiones distorsionadas, ritmos bien trabados y trabajados, bajos con grooves bien graves. Es decir, una vez más, Nü Metal.

Poco tengo que decir de las excelentes actuaciones de Xpiral y Tai. Salvo que ambas sonaron muy bien y que integran una camada de bandas rosarinas (junto a Fluído y Gurú, entre algunas otras) que se toman en serio lo que hacen. ¿Por qué hablo de las dos bandas sin particularizar o dar más detalles? Porque creo que, como muchas bandas de género, están transitando un camino ya recorrido. Lo hacen bien, muy bien incluso, pero las fórmulas se repiten a mansalva. Tan es así que llegué a sentirme tentado de copiar mi propia crónica de recitales de otras bandas Nü Metal. Puedo hablar de sus guitarras con delays, chorus y distorsiones, de esos bajos de 5 cuerdas golpeando bajo, de la tranquilidad/explosión de sus canciones, de las palabras típicas de estas canciones. Puedo usar la fórmula tan trillada de decir que para los "amantes del género" fue una fiesta. Y no estaría mintiendo.

El nombre Nü Metal se encierra sobre sí mismo dejando el saldo de una imposibilidad. ¿Qué vendrá después de él? ¿El "Nü Nü Metal"? Digo, ¿acaso New York no se transformaría, según Futurama, en "New New York"? ¿Acaso Incubus no empezó a cambiar alejándose un poco de sus raíces y llevando su estilo al universo de la canción? Quizás, por todas estas cosas, el mejor momento de la noche fue cuando la gente de Xpiral tomó una guitarra acústica y jugó al "unplugged" -trillado, lo acepto- pero que tuvo de interesante el hecho de abrir el juego para otros lugares.

No temiéndole al enojo de los lectores de esta crónica, me imagino que lo mejor de estas bandas empezará a venir cuando dejen de visitar al Nü Metal (¿podríamos irlo llamando "Old Nü Metal"?) como si fuera un bazar y prueben violar los límites de esos géneros. Mientras tanto podemos seguirlos para escuchar buenas bandas con buenos músicos en un camino muy largo.

Nota sobre el show de R.E.S.C.A.T.E. en el Patio de la Madera

2005-07-13T23:10:00.000-03:00

¿Te gusta Bob Dylan? ¿Te gusta U2? ¿O Stevie Wonder? ¿Evanescence? ¿Ray Charles? ¿John Coltrane?¿Johann Sebastian Bach? ¿Que tienen todos estos músicos en común? Que muchas de sus letras y melodías son esencialmente cristianas. Algunos lo sabemos, otros no, pero a todos nos suena como "está bien, son cristianos pero son del hemisferio norte y entonces no pasa nada". Ahora si te digo que R.E.S.C.A.T.E. es una banda de rock gospel o cristiano casi esencialmente rosarina ¿no te parece que molesta un poco más que lo anterior? Bueno, con todos estos prejuicios en la mochila me acerqué a su CD, a su recital y a la mesa de un bar para charlar con Ulises Eyherabide, cantante de la banda.

¿Era necesario hablar de cristianismo o religión un viernes a la mañana? ¿Podríamos hablar un poco sobremúsica? Después de todo, estaba sentado frente a un músico. Ulises fue categórico: "que siempre hablemos de religión es culpa de la prensa, que siempre busca ese costado nuestro. Nosotros somos tipos que elegimos esta temática porque es lo que sentimos de verdad y no nos da hacer una apología del reviente cuando en tu público hay pibes de entre 12 y 15 años que se toman un tetra con tu guiño mientras te tomás un Jack Daniels en tu camarín". La manera de decir las cosas de Ulises muestra un líder muy carismático que, ante todo, siente lo que dice y eso no es poco.

"Claro que hay pogo en nuestros recitales, mañana lo vas a ver", me contestó sonriendo ante mi impericia(uno no trata con rockeros cristianos todos los días). Seguimos hablando de su historia de 15 años que arranca a principios de los '90, que incluye la lucha por un espacio para el rock gospel en español, de sus giras porEuropa, U.S.A. y América Latina, de su reciente contrato con SONY Music que parece coronar los esfuerzosde esta banda y a la vez habla del nivel de profesionalismo que han alcanzado.

El recital de R.E.S.C.A.T.E. (REyes al Servicio de Cristo Ante Tiempos Extremos, ay, como nos cuesta laestética cristiana ¿no?) fue una revelación. Cerca de 3000 personas en el Patio de la Madera saltaron, poguearon,sacaron a relucir sus trapos, cantaron y festejaron cada canción. La banda suena tremenda y tienen varios verdaderos hits escuchables en cualquier radio, y si no me creen intenten quedarse quietos mientras escuchan"Otra Oportunidad" o "Jesustone". Las letras sonarán cristianas a quien sepa algo del grupo, de lo contrario sonletras y nada más que eso, más aún en estos últimos discos donde quieren que el público haga su interpretación personal, lo que de alguna manera también puede sonarnos -sí, uno es desconfiado- a una búsqueda de salida del ghetto del rock gospel. A veces Ulises Eyherabide sonaba un poco verborrágico y declarador de principios entre canción y canción pero la verdad es que se lo notaba muy eufórico. "No nos importa si sos católico o protestante, Cristo no hace ese tipo de distinciones, solo le importás vos" decía a un público exultante. Toda una experiencia aún para los que no somos creyentes. Si uno quita el mensaje cristiano no suena tan distinto de las arengas del hardcore "straight edge" apelando por una vida sin drogas ¿no?

Mientras me compraba una Arde Rock & Roll, que los tiene como protagonistas en su tapa, en el puesto de merchandising de R.E.S.C.A.T.E. (remeras, posters, pins, discos, etc) empezé a pensar en esta nota y como terminarla se me ocurrió escribir: ¿por qué no?

Recital de Natas y Sinapsis en el Galpón 11 del CEC

2005-05-27T12:47:00.000-03:00

El Galpón 11, al lado del río, era una heladera el sábado a la noche y la verdad es que había muy poca gente cuando comenzó el show del trío rosarino Sinapsis. Mucha fuerza y ritmos bien bailables de esta banda techno-rock con claras influencias de Depeche Mode, Kraftwerk o Joy Division. Más cercanos al concepto de “tocar” música que tienen los dj´s, brindaron un set muy electrónico que el público no acompañó: todos permanecimos a tres o cuatros metros de la valla. Y para peor, sin bailar. Lo que al hablar de este género y de nosotros como público es bastante malo.Los tres integrantes, Charles Egg (sintetizadores + programaciones), Martín Arias (guitarras) y Leandro Giandoménico (batería), dieron todo de sí pero no alcanzó, el frío reinaba y bailar no parecía ser una opción para entrar en calor. Además, la energía de las canciones comenzó a decaer ante tanta insistencia del mismo tempo, que las volvía parecidas unas a otras y hasta intercambiables quizás. La aparición de un cover de Depeche Mode amagó con soltarnos un poco pero las falencias de la voz de Charles Egg les jugaron en contra.

Lo del público rosarino es ya una especie de pacatería clásica que atenta contra muchos grupos (recuerdo en especial un recital de Santos Inocentes donde todo ardía sobre el escenario y abajo éramos unos perfectos esquimales). Más allá de ese detalle “sociológico”, la propuesta de Sinapsis, cuidada en aspectos de vestuario y puesta en escena, se tornó repetitiva musicalmente y quizás eso haya contribuido a nuestra frialdad.

La gente de Natas apareció sobre el escenario y el público empezó a acortar esos tres o cuatro metros que los separaban de ellos. Para casi todos, ésta era la primera vez que podíamos ver a este grupo tan mimado por la prensa (sobre todo, la de Capital Federal) y queríamos estar cerca.

El grupo, integrado por Sergio Chotsurián en guitarra, Gonzalo Crudo Villagra en bajo y Walter Broide en batería, vino con la excusa de presentar su nuevo disco Munchen Sessions grabado en Münich (Alemania). Era un buen gancho para nuestra curiosidad ver a esta banda que grabó en Europa y que trae encima más de 10 discos (la mayoría inconseguible), lo que habla -una vez más- de nosotros como público ¿no?

Su música es bastante inclasificable y resuenan en ella miles de influencias y no sólo del mundo del rock. No se parecen a nada o se parecen a todo. Tienen el valor de una perla negra: son raros dentro de la escena del rock nacional. Invitan a algo distinto y allí reside su valentía y atractivo.

Ahora bien, y lamento no acordar con el enganche que tuvieron la mayoría de los presentes, yo me aburrí notablemente. Son distintos, es cierto pero eso no es un valor en sí mismo. Mucho periodismo de rock alaba la condición de “colgados”, de música de “cuelgue”, del primer Black Sabbath, del Pappo’s Blues de los ‘70, de Pescado Rabioso, de la psicodelia alemana, etc. Todo bien, pero debo sincerarme y contarles que su concierto me pareció aburrido y su música demasiado homogénea. Muy buenos músicos los tres, no lo pongo en duda y lo comprobé, siempre que estemos hablando de condiciones técnicas. Hay muchas fuentes en sus canciones pero el color sonoro de Natas los aplanaba con su fuerza stoner y heavy, sus distorsiones y sus “cuelgues”. A veces los temas se volvían interminables y todo empezaba a ser igual a todo.

Al igual que ellos, me molesta el rock pasteurizado y las estrellas salidas de reality shows, pero su propuesta -que reconozco distinta- no me convence tampoco. ¿Hablamos de música o de ser sencillamente distintos?

Nota sobre el recital electroacústico de La Portuaria en Luna Bar

2005-05-27T12:42:00.000-03:00

En un reportaje de un par de meses atrás los integrantes de La Portuaria trataban de precisar ante el periodista en qué consiste eso que todos llamamos "éxito". El baterista (el rosarino José Luis "Colo" Belmonte) decía: “el éxito es disfrutar lo que se hace y tener la posibilidad de seguirlo haciendo”. Teniendo en cuenta esas palabras podemos decir que La Portuaria es un grupo totalmente exitoso porque la felicidad que irradiaron detrás de sus instrumentos fue avasalladora y, mejor aún, contagiosa. ¡Cuantas ganas de tocar que tienen estos tipos que -encima- vienen remando hace tanto! Como si fueran apenas unos primerizos.

Atendiendo al repertorio, el show incluyó algún material nuevo que saldrá en el próximo Rosa de los Vientos, muchos temas de su último 10.000 Km ("Besos y rezos", "Discúlpame", "Huracán", "10.000 Km", "Geisha", "Bajo la piel", "Nadie sabe dónde va"), más algunos rescates de toda su carrera como "El bar de la calle Rodney", "Los mejores amigos", "Nada es igual" y "La cruzada del hombre" en una hora y media de duración.

Lo atractivo de este concierto de La Portuaria pasó por su manera de encarar el título de show "electroacústico", que a esta altura podía sonarnos como un apenas disimulado eufemismo de fórmulas demasiado frecuentadas: unplugged, desenchufado, etc. Mientras que muchas bandas se vuelven acústicas quitando la guitarra eléctrica y tocando exactamente lo mismo que en el disco "pero acústico", La Portuaria trabajó su sonido e instrumentos pensando en esta formación. Se notó que el paso de gente tan interesante -y rara- como Alejandro Terán, Fernando Samalea o Christian Basso dejó huellas en el grupo. El acordeón y los sonidos "electrónicos" de los teclados de Sebastián Schachtel, la batería con bombo legüero en lugar de bombo y el cajón peruano del Colo Belmonte, el bajo fretless (y el trombón) de Pablo Jiménez, y las guitarras (slide y 12 cuerdas) de Diego Frenkel y Adi Azicri se adaptaron de lleno a sus arreglos verdaderamente electroacústicos.

En una síntesis de música para bailar, sintonía con el público y canciones muy bien logradas, La Portuaria se levanta en el panorama del rock nacional como un lugar de dignidad: un espacio que han sabido ganarse haciendo lo que deben hacer. Sonar bien. Y los que estuvimos el viernes pasado en Luna Bar sabemos que fue así. Costó mucho dejarlos bajar del escenario. Ni nosotros ni ellos querían que la noche termine.

Nota sobre el Show de Gonzalo Aloras en Luna Bar

2005-05-14T22:13:00.000-03:00

Si había alguien que había quedado mal predispuesto por los últimos shows que Gonzalo Aloras había dado en Rosario, el show de Luna Bar del viernes 6 de mayo, fue toda una sorpresa. Una sorpresa bastante grata por cierto. Lo que en otras oportunidades sonó improvisado y desajustado, bajo la excusa de un cierto “intimismo”, esta vez se trasformó en precisión y calidad. Un trío con la presencia de dos grandes y no muy conocidos músicos como Mariano Sanci en bateria y Alvaro Ruiz en bajo, más un Gonzalo Aloras demostrando que el piano muestra un costado más interesante suyo.
El show tuvo muchos temas de su disco Algo Vuela (“Amor”, “Otro sol”, “Si te enamoras”, “2000”, “Emotival”, “Before you go”), también un tema nuevo (“Irán”) y unos cuantos covers (“Bad” de Michael Jackson, “Liberty City” de Jaco Pastorius, “Mañana en el abasto” de Sumo, “Salir de la melancolía” de Serú Girán en una muy linda versión junto a Fabián Gallardo, y un tema disco que no distinguí).
La idea de hacer “Liberty City” interactuando la big band de Pastorius -mediante grabaciones- con el trío de Aloras fue de muy buen gusto musical. Mostró la versatilidad de estos músicos. Pero en la virtud también encontramos el defecto. Incluir este material tiene el lado bueno de abrir la cancha hacia otros lugares pero también suena a pose y ostentación a la vez. Es que el show de Gonzalo Aloras tuvo un carácter doble. Muy buen nivel instrumental y compositivo pero el show se resquebbraja a la hora del feeling del artista con su público (salvo, claro, los incondicionales). Alarde, pavoneo y cierto derroche no le son para nada ajenos. Cuestiones que sólo destaco por como incidenen el clima que se genera en sus show y no por una “caracterización” que -es verdad- nada aporta desde lo musical.
La voz de Gonzalo Aloras, ahora sí en lo estrictamente musical, es algo que también juega un poco en contra de sus muy buenas canciones. Voz excesivamente cuidada y “académica”, cierta obsesión por pureza que le quita espontaneidad y nervio.
En resumen, un show que sorprendió por lo ajustado de la banda y por los arreglos muy atractivos y bien pensados. Canciones que gustan fácilmente por su delicadeza, más covers muy bien pensados. El piano fue su fuerte, la versión de “Mañana en el abasto” de Sumo con la guitarra sola mostró muchos lugares comunes: por suerte hubo mucho más piano.
Quienes habíamos salido defraudados de sus últimos shows nos encontramos con que vale la pena seguir yendo a verlo, es un músico interesante que en cualquier momento puede sorprendernos.

Show de Estelares y Coki en el CEC

2005-04-15T12:53:00.000-03:00

La noche y el lugar eran ideales para un momento de buenas canciones con algo de rock. Bastante más gente que en los anteriores recitales que Estelares diera en Rosario. Una pantalla con videos iban preparando el clima. El último video fue de Bob Dylan, el cual festejó Manuel Moretti (cantante) al subirse al escenario para comenzar el show.

Los primeros tres segundos de "Bienvenida" mostraron un cuarteto de rock muy sólido que está pasando un muy buen momento. Buen momento como banda, en cuanto a convocatoria y, sobre todo, musicalmente. Supieron ignorar un sonido realmente deficiente, con problemas a lo largo de toda la noche, con energía y contacto con el público.

La mayoría del repertorio, tal cual adelantó Víctor Bertramoni (guitarrista), estaba centrado en su último disco: Ardimos. Y así pasaron "Virginia", "Disco Pub", "Feliz", "América". Pero el enorme crecimiento de Estelares se notó sobre todo cuando recordaron canciones de sus primeros discos (Extraño lugar y Amantes suicidas). El show en vivo renovó la energía de esas viejas canciones como: "La remera", "Pelotitas de ping-pong", "Mar del Plata" o "Fiestas de alcoba". Cualquiera que tenga esos discos y compare las grabaciones con las versiones del pasado viernes notará ese crecimiento, esa nueva estatura de los muchachos de La Plata.

Los momentos más emotivos del show estuvieron en la dedicatoria de "La coupé roja" a Miguel Abuelo y Federico Moura. Y también en el festejo del regreso de Calamaro (el Calamaro de "El salmón", subrayó Moretti) al tocar esa canción tan calamariana: "Moneda corriente". Ese parnaso personal (Abuelo, Moura, Calamaro) habla muy claro de la importancia que tienen las buenas melodías a la hora de hacer música para los Estelares. Y de cómo se apropian de esa tradición, dejándole su marca. Muestra de esto es la excelente versión de "Pronta entrega".

La noche de los platenses terminaría con "De La Hoya", ese tema que empieza a sonar y a hacerlos conocidos para el público masivo. Habría un bis que estuvo bien pero lo mejor de la noche ya había pasado.

El problema de sonido con que lidió la gente de Estelares tomó más protagonismo cuando subió Coki & The Killer Burritos al escenario. Una lástima porque la banda estaba preparada para dar una gran concierto que, a pesar de esto, lo fue. Con el estreno de Tito Barrera en la batería y Pana en bajo, la banda de Coki sonó muy rockera y renovada. Felizmente dejó atrás la porfía (de ser White Stripes) y encontró un formato más a la altura de sus buenas canciones. Incluso fue más sobrio el reciclaje de su obra, al que Coki nos tiene acostumbrado. Que levante la mano quien alguna vez no haya dejado de reconocer alguna canción suya por tanta deformación. Una especie de atentar contra sí mismo que es incomprensible la mayoría de las veces. Esta vez las versiones supieron encontrar el lado bueno de sus melodías: y el mejor fruto estuvo en la reelaboración de "Duro" y "Joselito".

Estuvo bueno el uso de la pantalla y esas imágenes tan "Coki" (no lo conozco pero esa es la imagen Coki ¿se entiende?). Ese tetra-brik giratorio, las fotos y tapas de discos de Joselito: el niño cantor, etc. Buena apuesta, que salió bien y construyó su microclima.

Y de yapa queda destacar que la voz de Coki mejoró sensiblemente con respecto a otros shows donde sólo se percibía el grito o la disfonía. Ojalá sea una nueva y buena etapa de Coki y sus Burritos. Las otras nos gustaban: ésta nos gusta más aún. Con Coki nunca se sabe...

Entrevista a Víctor Bertamoni de Estelares

2005-04-12T15:40:00.000-03:00

Hoy viernes a partir de las 21 hs. se presentan Coki and the Killer Burritos y Estelares en el CEC (Centro de Expresiones Contemporáneas) dentro del marco que incluye, entre otras cosas, proyección de cortos audiovisuales rosarinos y performance de clown. Corso Gómez dialogó con Víctor Bertamoni, guitarrista de Estelares.

En Rosario ¿saben lo que van a hacer o son de ir armando el show sobre el escenario?

En general, el armado del repertorio en cada show depende de que canciones queremos tocar ese día, lo vamos planeando en la prueba de sonido, a veces en la previa, momentos antes de salir a tocar. Aunque siempre damos prioridad a la canciones de Ardimos en los shows, mezclándolas con algunas de los discos anteriores y a veces algún cover.

¿Qué es un buen show para ustedes? ¿Uno tranqui escuchando "La coupé roja" o de gente bailando "Bienvenida" o "Virginia"? ¿O uno que tiene de todo?

Tenemos dos facetas, una parte más rockera, más para afuera, y otra algo más intimista y oscura, que necesitamos mostrar también, ninguna de las dos puede faltar.El buen show sería cuando el público se sube a ese viaje, atravesando los diferentes estados que proponen las canciones.

¿Qué de lo que está en el disco no hacen en vivo? ¿Tratan de sonar lo más cercano al disco o se olvidan de él cuando tocan?

Tocar en vivo es otra cosa que el disco. Cuando grabamos nos permitimos algunas aventuras. De todas formas el sonido del disco no está fuera de lo que es Estelares en vivo, sino que lo representa fielmente, aunque algo más contenido por una producción artística y demás elementos técnicos que entraron en juego en la grabación de "Ardimos". Por ejemplo "I'm lucky man" es una canción acústica con bases electrónicas, además con los coros de Hilda Lizarazu, todos esos elementos son difíciles de incorporar en un show de Estelares. En vivo sonamos algo más crudos, y explotamos eso, el feedback, la distorsión.

Como grupo ¿sienten que están viviendo un buen momento?

Estamos en una época de mucho show en vivo, en diferentes lugares del país, también fuimos a Uruguay y desde dos años atrás hasta hoy nos sucedieron cosas que derivaron en un crecimiento paulatino de la banda. Los viajes y la convivencia nos han aportado experiencias de vida que son enriquecedoras, es lo que siempre quisimos hacer. Estamos en una banda para tocar y grabar discos, hacer música, y sobre todo salir a tocarla por donde sea. Afortunadamente eso estamos haciendo.

¿Seguir viviendo en La Plata los ubica en cierta periferia?

Todos vivimos acá, menos Manuel que está viviendo Buenos Aires. La Plata es un lugar algo más tranquilo, da un poco más de aire, pero estamos cerca de todo, operativamente no es una traba ni mucho menos vivir acá. Y lo importante en Estelares siempre fue juntarnos, donde sea. Cuando eso sucede, inevitablemente salen ideas y nos inspiramos.

¿Creen en un rock "platense"? Digo, un rock con ciertas características lo suficientemente claras como para hablar de un rock platense.

Existen muchas bandas en La Plata con un sonido particular, y otras tantas que hacen estilo puro, y podrían ser de cualquier ciudad. Pero las primeras son las que buscan eso que está más allá de los limites estilísticos, algo distinto o nuevo, combinaciones que cuando se dan... decís: ahí hay algo! y justamente esas son las cosas que sobresalen y llegan a conocerse fuera de la ciudad, y así se ha formado el rótulo de "sonido platense". Creo que algo de eso hay.

¿Qué le deben al tango? ¿Escuchan tango o lo escucharon en cierta época?

Por supuesto que el tango está en nuestra sensibilidad, definitivamente. Yuyi, el papá de Pali canta tangos, yo crecí en casa de mis abuelos con la radio AM, tango todas las mañanas. Así cuando empecé a tocar la guitarra sentí siempre la deuda con el tango, hasta que hace ya unos años, di con un conjunto de guitarras, de la Casa del Tango de La Plata, y luego Manuel se incorporó también. Ahí aprendimos algo de los mecanismos del estilo. Están esos arreglos en algunas canciones que hemos grabado.Actualmente seguimos escuchando las grandes orquestas: salgan, Pugliese, Troilo, Grela; pero no lo aplicamos tanto en la banda, hoy estamos con más espíritu rock.

Los gustos de la banda ¿son más o menos homogéneos? ¿Qué están escuchando por estos días? (digo, la música que llevan en su discman, o en el estéreo del auto?

Cada uno tiene sus preferidos, pero nos juntamos con un objetivo que es hacer sonar canciones, cada uno aporta lo suyo, su tendencia. Siempre están en mi auricular "Neil young", "Teenage fanclub", "T-Rex, Graham Coxon", "Canned heat" y alguna novedad que ande dando vueltas.

Recital de El Regreso del Coelacanto y Árbol en Willie Dixon el viernes 18-03-05

2005-03-24T11:48:00.000-03:00

POST-CROMAÑÓN

Pocos días antes del recital nos enterábamos de que Árbol agregaba otra fecha: el domingo 20. ¿Llenaron de tal modo la fecha del viernes 18 que tuvieron que agregar otra? Sí, pero con un lleno razonable. Los que estuvimos el viernes en Willie Dixon éramos muchos pero estábamos bien. Nada que ver con fechas anteriores a lo que sucedió en República de Cromañón donde apenas se podía respirar entre tanta gente. ¿Habremos aprendido a respetar al público o se mantendrá así por un par de meses hasta que “la cosa pase”?

EL COELACANTO REGRESÓ ...

Y que bien que hizo porque la verdad es que está pasando un momento bien alto. Producidos y apadrinados por Pablo Romero (Árbol) han logrado un sonido y una puesta en vivo impecable. Cada detalle en su preciso lugar: Andrés Abramowski y Luciano Degaetano apostando fuerte a su presencia –absolutamente– coreográfica sobre el escenario. Un vestuario simpático e intachable. Los arreglos de voces justos que demostraron, de paso, que no se necesitan “grandes” voces ni destrezas vocales para ser convincentes y llegar.
El público bailó, pogueó y cantó todas esas canciones redonditas. "Te conozco de algún lau", "Bailen giles" y "Padre de todos los sanguches". ¿Cómo no divertirse cuando una banda suena así? ¿Cuándo están poniendo todo para hacer un buen show y sonar bien, y encima les sale?Es de esperar que El Regreso del Coelacanto crezca “comercialmente” y su música llegue a todos lados. Tienen mucho a favor y ojalá sepan aprovecharlo. Nosotros seremos los beneficiarios.

EL ROCK ARBOREO

Vestidos de blanco, el show de Árbol arrancó bien arriba con “Trenes, camiones y tractores”. De ahí en más casi todas serían canciones de sus dos últimos discos: Chapusongs y Guau. “Chikanoréxica”, “Soylazoila”, “Canciones”, “Comida chatarra”, “Cosacuosa”, “Enes”, “Vomitando flores”, “De arriba, de abajo”, “La nena monstruo”.
Es infrecuente la fama de Arbol: el éxito astronómico de “Pequeños sueños” (difundido hasta el hartazgo por las radios y los canales de videos pero sin llegar a cansar del todo) estaban a la misma altura que cualquier otra canción. Quiero decir, todos los que llegaron a Arbol a través de sus hits han comprado su disco (o lo han copiado) y lo escucharon de punta a punta. Y así descubrieron toda su música. Por eso “Ya lo sabemos” fue cantada y festejada al mismo nivel que “Suerte” o “Ya me voy”, con la que cerraron el show antes de los bises.
También es interesante remarcar como exploran los límites de las canciones. El uso de secuencias mínimas (sin instrumentos en vivo salvo un órgano de juguete) en “Lloro” cantada por Martín Millán, baterista de la banda. Los cambios rítmicos entre 4/4, 5/4 y 6/8 de “Vomitando flores” hechos en vivo (Soda Stereo tenía una canción –“En el séptimo día”– en 7/4 que, por su dificultad, rara vez tocaban en shows). Las voces paralelas del final de “Ya me voy”. Pequeñas muestras del buen nivel del grupo pero también huellas que deja el productor Gustavo Santaolalla en cada cosa que graba. Pequeñas muestras que derriban la estúpida idea de que la música popular debe ser “fácil”.
Y la música de Arbol también es satírica y ocurrente (con algunas influencias: “Apariencias” o “La chusma” de Leo Maslíah la más obvia) como en “Prejuicios”, la cita oportuna de “Oh l’amour!” de Erasure y “Back in black” de AC/DC en la versión de “Soylazoila” que estrenaron en Willie Dixon y la divertida letra de “Suerte”.
Un recital de buen gusto, rockero (incluyendo todo lo que esta palabra abarca), con canciones parejas (nada de rellenar el disco). Un final increíble con la versión coral de “Ji ji ji” que acompañaron con una coreografía puntual. Arbol está en el mejor momento de su carrera y es de esperar que siga creciendo y haciendo música por mucho tiempo más.

Entrevista a Cuni Massa

2005-03-24T11:40:00.000-03:00

Este sábado vuelve a tocar Cuni Massa y su banda luego de una larga ausencia. La cita es a las 23 horas en García y contará con la participación de varios invitados. Con motivo de este regreso RosarioRock la entrevistó telefónicamente.

Sabemos que estuviste en España. ¿Tuviste alguna experiencia musical interesante allí?

Mirá, yo fui a trabajar y no con la música. Obvio que lleve un par de discos míos para mostrar y básicamente la respuesta es que “el mercado busca otra cosa”. De todos modos me dí el gusto de tocar en algunos lugares sola con mi guitarra. Canciones mías, algunos covers (de Fito Páez sobre todo) y también tangos.

¿Tangos?

Sí. De chica descubrí en mi casa un disco simple de Amelita Baltar que de un lado tenía “Balada para un loco” y del otro “Chiquilín de Bachín” y que no podía dejar de escuchar. Es una música que tengo muy incorporado.

Es algo que se nota en tu manera de cantar o de arrastrar las palabras. Muy presente en tu E.P.
Todo el mundo me dice que sueno tanguera. Aunque yo los deformo o los rockeo un poco.
¿Vas a hacer tangos este sábado? ¿Qué más vas a hacer?

Sí, voy a hacer alguno yo sola con mi guitarra. Quizás “Malena”. Esta fecha es muy especial por la muerte de alguien tan querido e importante en la banda como fue el Bambi García. No sabíamos si suspender la fecha pero ...

Está bueno que toquen ...

Sí, lo charlamos y creemos que seguir para adelante es bueno. Estamos medio shockeados aún pero vamos a tocar. Hay varios amigos que van a estar presentes tanto en el público como sobre el escenario acompañándonos en este momento.

¿Y aparte de los tangos?

Lo más importante nos olvidábamos. Canciones del E.P. y también algunas anticipaciones de lo que será mi próximo disco que se va a llamar “Pirar”. Además de algunas cosas de canciones ajenas que siento muy mías porque las versiono a mi manera.

Recuerdo una versión muy power de “Polaroid de una locura ordinaria” en el Lavardén hace unos meses, antes de irte a España.

Exacto, eso. Hacer una canción de esas que tienen mucha fuerza y agregarle todo lo que nuestra banda pueda.

"La Venganza" de Charly García en el Anfiteatro el 18-12-2004

2004-12-22T13:44:00.000-03:00

En un reportaje de hace poquísimos días le preguntaron a Charly García si estaba rescatando canciones que hace mucho tiempo no tocaba en vivo. Siempre lúcido, le contesta: "Rescatar es una palabra muy heavy. Yo prefiero pensar que el pasado, el futuro y el presente están acá siempre y que no rescato nada". Y para quienes estuvieron el pasado sábado 18 en el Anfiteatro esa permanencia del pasado en el presente fue palpable. Cada canción era una parte de cada uno de nosotros, cada uno tenía sus preferidas: aquella que lo había acompañado en algún momento o durante tanto tiempo. Las canciones de Charly García son partes de nuestras vidas y nada será capaz de alterar esa relación: ni siquiera el mismo Charly García. Pero vayamos más despacio.
Con apenas media hora de retraso y un Anfiteatro repleto, el show arrancó con la poesía directa y cruda de "Me tiré por vos" y desde allí en adelante todos fueron canciones casi gloriosas. "Adela en el carrousel", "Seminare", "Popotitos", "Perro Andaluz", "Yendo de la cama al living", "Los dinosaurios", "Desarma y sangra", "Hablando a tu corazón", "Fantasy", "Fax U", "Fanky" y podría seguir enumerando: demostración -innecesaria- de que esas canciones viven en nosotros.
Ahora bien, al ofrecerlas en un show ¿Charly las mejora, les da una nueva vuelta de tuerca o las mantiene intactas? Podría arriesgar que las mira su nuevo punto de vista estético basado en la desprolijidad deliberada sin quitarles energía -agregándosela a veces- ni destruyéndolas. Pero a veces juega en el límite. ¿De qué otra manera podemos entender sino las versiones de "Los dinosaurios" o "Desarma y sangra" donde desaparecen los pianos -¡esos pianos increíbles!- para dar lugar a unos sonidos de Casio Tone Bank de dudoso gusto? No importa, sabemos que nadie, ni el mismo Charly podrá quitarnos dos de los mejores pianos de la historia del rock nacional de nuestras cabezas. Ni su abrazo con Menem puede mellar nuestra idolatría: Charly es inimputable. Chocolate por la noticia!!!!
Pudimos cantar todas las canciones y también quedarnos con las ganas (hubo tantos temas amagados como canciones en el repertorio: todo un festival del amague), pudimos escuchar versiones que no hacían justicia a nuestra memoria ("Perro andaluz", que bien sonaba Serú Girán en ese disco!), pudimos asombrarnos con el bajista chileno Carlos González llevando muy bien "Eiti Leda" en el final (no parecía capaz de tocar lo que toca Aznar en ese tema, y sin embargo ...), pudimos festejar buenos chistes y también pavadas (a Charly se le festeja todo: es un ídolo, como Maradona), pudimos escuchar apenas el trío de cuerdas porque el sonido no ayudó para que se destaquen pero igual quedaban lindo (poner cuerdas le da cierto "nivel" al asunto aunque el "nivel" no se notó demasiado), pudimos disfrutar todo un show (con Charly ... nunca se sabe), pudimos ver una formación atípica sobre el escenario (las cuerdas casi escondidas, batería al costado, guitarrista y bajista sentados atrás y él en el centro rodeado por una parafernalia de teclados).
Charly García hoy, es eso: desprolijidad, talento, nostalgia y anti-nostalgia a la vez, canciones enormes y ejecuciones pequeñas pero que jamás podrán opacar lo que significan para nosotros. Charly García, como todo ídolo verdadero, habla de nosotros, de lo que escuchamos y cómo lo escuchamos, de lo bueno y lo malo de la música y participar de un show suyo sigue siendo una experiencia total donde no hay nada que rescatar -como dice él mismo- porque esa música está siempre con nosotros.

Show de Mundo Bizarro y El Regreso del Coelacanto

2004-12-17T13:33:00.000-03:00

Pocos minutos antes de comenzar el show se notaba que el Teatro del Parque Españales había quedado grande a las dos bandas. Grande y extraño. Menos de un tercio de la capacidad completa en una sala donde habitualmente se ven otras cosas. La gente que se acercó este sábado no parecía ser la misma que se acerca a los shows en salas más "rockeras". Pero había que comenzar y apenas pasadas las 21:30 apareció Mundo Bizarro.

MUNDO BIZARRO

La gacetilla que los mismos grupos difundieron sobre este show aclaraba que ellos hacían ¿rock? El gesto lo entendí recién comenzado el show porque la música de Mundo Bizarro bien puede ser catalogada como ¿rock? o, según prefiere este cronista "no-rock". Me explico: el rock puede incluir la crudeza de Carmina Burana, la inocencia melódica de Gonzalo Aloras, el desparpajo de Murió de Asco o la liviandad de Fruta Deliciosa pero me cuesta pensar a Mundo Bizarro como un grupo rockero o al menos ¿rockero? Prejuicio del cronista, se entiende.
La banda, aunque no alcance, suena ajustadísima y relajada. El saxo soprano y el clarinete del Chivo González barniza las canciones acercándose por momentos a las intervenciones de Branford Marsalis o Wayne Shorter en la música popular pero saliendo ileso en la comparación. Chivo González ha logrado un sonido y un fraseo bastante personal que los festivales de jazz de la ciudad han sabido aplaudirlo. El otro integrante que tiene brillo propio es el bajista Armando Sabia (¿se acuerda alguien de La Data?) con la actitud más rockera en el escenario, lo que por momentos lo dejaba un tanto desubicado en ese contexto.
Las canciones (¿o debiera decirle "composiciones" en este caso?) pecaban de ser sobrearregladas. Una especie de falso minimalismo que hablaba de otras épocas y otros mundos (el del jazz fusión por ejemplo). Los registros vocales y la manera de cantar de De La Riestra e Irene Cervera hablan definitivamente de otras épocas. De otros mundos alejados del rock. El momento de De La Riestra invocando "al dios del Rock and Roll" para largar una canción ¿rockera? fue lo más cercano a aquella canción punk de Leo Maslíah (si no se la acuerdan basta con imaginar a Leo Maslíah haciendo punk). La diferencia es que Leo Maslíah lo hacía como chiste y acá no se logra ver si es una humorada o no. Ni el interesante solo de guitarra de Lucas Dimare logró rockear la cosa.
El clima de las canciones de Mundo Bizarro por momentos aburre. Mucha tranquilidad, demasiados arreglos. Y cuando se meten en el ¿rock? suenan a arquitectos hablando sobre biología. A lo mejor no era la mejor idea hacer un show junto a El Regreso del Coelacanto.

EL REGRESO DEL COELACANTO

Después de la actuación tranquila de Mundo Bizarro la aparición del Polaco Abramowski y los suyos con un vestuario y maquillajes increíbles fue una bocanada de aire fresco. ¡Cómo ha mejorado esta banda en los últimos tiempos! Todo, cada cosa, cada pequeño detalle estaba apuntado a divertirnos. Los arreglos, el vestuario, ¡las coreografías!, la teatralidad. Era imposible no disfrutar y no sentirse homenajeado como espectador.Que gusto da ver un grupo que cuida todo y ensaya cada movimiento pero a la vez no pierde la frescura y la espontaneidad. Que entrevera zydeco, ska y rock; violín, flauta, mandolina y guitarra eléctrica, y de esa mezcla saca una voz propia.
La banda formada por Andrés Abramowski (voz, guitarra, mandolina), Federico Alabern (guitarra, voces), Luciano Degaetano (voces, armónica, flauta), Mariano Obaid (Batería), Nahuel Marquet (Teclados y voces), Maximiliano Natalutti (Violín y voces) y Lisandro Sague (Bajo) dio un show muy enérgico y con momentos inolvidables como el del hit "Te conozco de algún lau". Quizás la única contra sea el lugar del show, que a las claras no fue su hábitat natural. Mejor le quedan los pubs, los bolichones: lugares donde acompañar de abajo tanta entrega desde arriba. El humo y el antro que quisieron evitarnos no hubieran estado mal.Está preparándose un nuevo disco con la producción de Pablo Romero (Árbol) y si tiene apenas un poquito de todo lo que hubo en este recital me animo a presagiar un muy buen disco. Ojalá que no pase tanto tiempo para volver a verlos y que la próxima el lugar sea más acorde.
El final con las dos bandas juntas sobre el escenario sirvió para mostrar que la buena onda que pueden tener estos músicos entre sí no basta para sumar desde el punto de vista musical.

Nota sobre el festival ROSARIO BURNING en el Willie Dixon

2004-11-15T13:22:00.000-03:00

SINCRONICEMOS NUESTROS RELOJES

Las gacetillas distribuídas por la gente encargada de la organización de este ROSARIO BURNING destacaba que el horario de inicio era "21 hs. (PUNTUAL)" textualmente. Por eso mucha gente quedó desubicada al llegar a Willie Dixon a esa hora y encontrarse con las puertas cerradas y la prueba de sonido -a pleno- dentro. Digan que la lluvia comenzó más tarde. Habrá que hacer una tabla de conversión horaria: cuando se anuncia a las 21 comienza a las 00, cuando se anuncia a las 22 comienza a la 1 y así ...

GAROTOS DE RIO DE JANEIRO

Una vez abiertas las puertas, Willie Dixon empezó a despertarse lentamente con música rockabilly. El boliche recibía una noche de crestas y jopos con remeras de NOFX, Ramones, Massacre, 2 Minutos, cuando comenzó el show de la banda rockabilly de Río de Janeiro: BIG TREP (o Grande Trepada, como dicen sus discos). El trío de los hermanos Mauricio y Eduardo García (guitarra y contrabajo) y Fernando Oliveira (batería) abrieron el juego en una sala con poca gente. Su primer tema -"Cachaça Beat"- mostró una banda que viene tocando hace mucho en Brasil y totalmente capaz de mover los pies de cada uno de los presentes. El sonido de Big Trep está influenciado por Reverend Horton Heat, Hillbilly Hellcats, Stray Cats y The Big Town Playboys sin el virtuosismo de Brian Setzer o Jeff Beck pero con una agresividad muy percusiva del contrabajo y buenos arreglos. El sonido, que lamentablemente carecía de graves, no fue obstáculo para un show muy efectivo y bailable. Dentro de los límites del género la banda versionó "Janie Jones" de The Clash y "Folsom Prison Blues" de Johnny Cash, sumados a sus efectivos "Medianoche insana", "Trem" y "Surf Dracula". Cuando nos dimos cuenta se había pasado la hora y los brasileros nos habían entretenido casi una hora con su música. Jopos, patillas, guitarra de caja, contrabajo blanco y mucha energía en el escenario.

¿DONDE ESTAN LOS TAPONES?

El festival ROSARIO BURNING había empezado muy bien, el Willie Dixon seguía recibiendo gente, quedaba bastante por ver, estábamos pasando una buena noche. Todos bien predispuestos para recibir a JESUSRACER: un dúo de ¿R&R trío? de España. Jesús en guitarra y Juanillo Basura en 'semi-batería'. ¿Cómo White Stripes? Definitivamente no. Tanto grito pelado, tanta "actitud", tanta guitarra distorsionada, tanto golpe frenético del baterista que tocaba parado y usaba lentes graciosos, tanto pero tanto tanto que uno se preguntaba si esto no era una broma para Videomatch. Salvo uno o dos yeites buenos -no más- de guitarra todo era ruido. Por eso son incomparables con White Stripes, porque los de Detroit tienen buenas ideas, conservan melodías (hasta Joss Stone pudo versionar un tema de ellos: "Felt in love with a boy") y ante todo se mantienen dentro de los extensísimos márgenes de la música. Sin parecérsele en nada Jesusracer me hizo acordar a esos discos de Death o Doom Metal extremos difíciles de considerar música. Jesusracer dicen estar cercanos a la psicodelia de Gun Club o Spacemen 3 pero en ellos lo 'psico' es sólo frenetismo.
De todos modos, era divertido y la actitud de estos gallegos de Almería resultaba simpática y todos estábamos viviendo un buen festival. La gacetilla los anunciaba así: "son algo así como la reencarnación primitiva, bruta y elemental de los primeros Cramps". Yo no lo dije, no conozco a The Cramps pero igual estoy totalmente de acuerdo. Primitivo, brutal y elemental.

CRESTAS Y JOPOS ROSARINOS

Afuera comenzaba a llover y adentro las cosas se ponían a punto para el arranque del local: THE BROKEN TOYS. La formación de sexteto (Ariel Vercesi, en guitarra; Sebastián Delfino, en contrabajo; Cristian Papalardo, en batería; Edgardo Pérez Castillo, en trompeta; Andrés Barle, en saxo tenor, y Santiago Vivas en voz) tuvo problemas de sonido toda la noche pero mostró un proyecto estético y referencial. Estético porque todos los detalles están tenidos en cuenta, desde los instrumentos hasta la vestimenta. Referencial porque en Rosario han abierto un camino para un tipo de público que no existía y que empieza a aparecer en sus shows y bien que se notó en en Willie Dixon cuando ellos estuvieron arriba.
The Broken Toys sonó bien aunque con varios desajustes. Es de festejar el hecho de búsqueda: no ser sólo una banda tradicional de rockabilly y agregar instrumentos de viento y guitarra acústica aunque por momentos suena a que aún no encontraron la fórmula. Lo cual no es malo: se nota que están tratando de personalizar un estilo ultracodificado metiéndose en el swing y el country y al precio de tener momentos híbridos también tienen hallazgos como "Tu papi no sabe" o "Mueve tu cuerpo".Santiago Vivas llevó adelante la energía del grupo y de un público que demostró respeto siempre y ganas de bailar a veces. Su pasado como músicos punk se notaba en los seguidores. Crestas y jopos swingeaban y se animaban a bailar y seguro que van a ser más los que se agregaran a estas filas. Los motivos que dan The Broken Toys están a la vista.

ATENTOS BIEN ATENTOS, PERO QUIETOS BIEN QUIETOS

Ya a sala llena, los daneses de The Defectors traian consigo un interesante currículum donde resaltaba la gira junto a los suecos The Hives. La última banda de la noche, que cerraba una propuesta nueva para Rosario.Con un vestuario básicamente negro (salvo la camisa op-art del baterista Jonas Jørgensen) la banda fue contundente desde el primer segundo. El gigante danés que cantaba -Mort Harder- ponía todo de sí y los músicos entregaban ese retro-rock basado en el sonido del teclado analógico (Farfisa) de Martin Budde y la efectividad de los yeites de Morten Elley (bajo) y Mik Stegger (guitarra). Mucha energía arriba, mucha atención abajo pero los daneses, al parecer, esperaban un poco más de agite abajo y el agite no vino. La música era ideal para eso. De todas maneras el cansancio o la entrada de otro público que no entendía bien qué pasaba jugaron en contra.
The Defectors no tenía nada nuevo que ofrecer (como tampoco lo tienen Franz Ferdinand, The Hives o The Distillers) pero al igual que esas bandas lo que hacen lo hacen muy pero muy bien. Exactos, prolijos y contundentes. Con la frente bien alta terminaron un show explosivo que poca gente festejó como correspondía. Cuando todos esperábamos el bis y un locutor incitó a ese regreso, desde los parlantes se escuchó "El viejo de arriba" de Bersuit y ahora sí ... todos cantaban.

HASTA LA PROXIMA ...

El saldo del ROSARIO BURNING es bueno y es de esperar que se siga haciendo. Musicalmente no había nada demasiado nuevo: rockabilly y lo que la crítica suele llamar garage. Es decir, gente que busca en el pasado y juega dentro de esos límites genéricos. Pero para Rosario la cosa es un aire fresco. No son muchas las oportunidades que tenemos de escuchar bandas de otros lados y ver qué pasa ahí afuera.
El sonido podría haber sido mejor pero tampoco fue tan grave como para opacar el festival. Cuestiones que los rosarinos iremos aprendiendo y nos darán la posibilidad de ver juntas bandas locales y extranjeras en noche interesantes como ésta.

Show de Perversos Polimorfos en Wolfen el viernes 29 de octubre

2004-11-04T11:10:00.000-03:00

Perversos Polimorfos se presentó el viernes en Wolfen (Mendoza y Cafferatta). El lugar es un tanto inusual y "descentrado" (en el barrio Echesortu) para lo que es la escena local. Pero pensándolo bien, tal vez sea el lugar indicado para una banda bastante inusual y descentrada como ésta. Hay cierto nivel de caos en cada show de Perversos Polimorfos que invita a la alegría. Un caos -por otra parte- totalmente controlado por los cinco integrantes (Pol, Pony, Nono, Dal y el Negro que se agrega en segunda guitarra desde este show) y usado como efecto estético.
La noche abrió con "Eternidad", un tema instrumental y pesado que juega entre el riff heavy y las disonancias de las guitarras, haciéndonos acordar por momentos al tema principal del Inpector Gadget. El aire más funk de la noche llegó con "¿Quién?" donde bajo y batería se lucían en un intrincado groove dando muestras de la versatilidad de la banda. El momento más logrado sucedió a la altura de "Arlequín" y "Hasta que llegue el fin de mis días" que, por distintas razones, tienen peso como para convertirse en sus cortes de difusión.
Hay que remarcar que por momentos pareciera que Perversos Polimorfos no busca llegar por el camino más directo (el del hit). De que otra manera explicar "Marlboro" y "Toqué un gato muerto", otros dos temas instrumentales en el recital. El camino elegido parece ser el de buscarse a sí mismos dentro de las influencias, como la de Molotov en "La tercera es la vencida" y la espontaneidad de la zapada que hacen en cada concierto. La única concesión del concierto fue el pot-pourri de Nirvana que el público agradeció.
Ojalá que los Perversos Polimorfos toquen más seguido y ¿por qué no? en escenarios atípicos como éste. Han sacado su primer disco "En vivo" de manera independiente y quizás con la excusa de presentaciones podamos cumplir ese deseo.

Show de Gillespi en Willie Dixon el 31 de octubre

2004-11-04T11:04:00.000-03:00

Muchas veces ciertos puristas le preguntan a Gillespi si le cuesta separar todas sus facetas: la de músico, la de humorista, la de escritor, la de hombre de radio. Para suerte nuestra, la realidad no está guardada en compartimientos y todo se entrevera como puede. Gillespi es una pequeña muestra de que el resultado de esa mezcla incluso es divertido. Porque quienes estuvimos el domingo en Willie Dixon pudimos disfrutar de su música, de su histrionismo, de su manera descontracturada de concebir un show. Pudimos disfrutar "eso" que es Gillespi.
Acompañado por una banda de lujo: Patán Vidal (teclados), Gerardo Prícolo (batería), Pablo Plebs (guitarra), Gustavo Giles (bajo) y La Cabra (voz), la banda mostró su versatilidad para entregarnos ese batido de jazz, funk, reggae y soul. Músicos experimentados y con ganas de tocar. ¿Qué más podemos pedir?
Por la noche pasaron varias canciones de su última producción "Es" (2004) que aún no está muy difundida y también de su anterior "Superchatarra Speshal" (2003) que fue su entronización oficial como músico luego de ganar el premio Gardel. Los mejores momentos se dieron en la versión acelerada de "The Chicken" (Jaco Pastorius), en el solo de bajo de Gustavo Giles en "Extrabrut" donde asombró con su técnica (imagino la cara de los bajistas al ver ese solo), en un rescatado del olvido y bailable "Inbetweenies" de Ian Dury (autor del clásico "Sex & Drug & Rock and Roll").
Uno de los mejores momentos humorísticos de la noche (y hubo varios) fue cuando Gillespi dijo que tiene miedo de ser mufa, porque cuando le pidió el tema al manager de Ian Dury, al poco tiempo este músico murió. Hizo un silencio teatral y agregó: "y bue, será cuestión de pedirle una canción a Copani". Y uno pensaba a esa altura que bueno era estar sentado ahí, escuchando música, riéndose y rogaba que no terminase nunca.
Pero el show debe terminar y en ese fin vino un regalo de los músicos: "I don't wanna be so lonely tonight" con Patán Vidal y Gillespie, y la voz de La Cabra llenándolo todo. El regalo del público fue el silencio absoluto (y digo absoluto) con que escuchó esta versión. El Willie Dixon estaba irreconocible, ni siquiera los mozos se movían, daba la sensación de que se había creado un pequeño microclima y que cualquier ínfimo ruido podía destruir el encanto.
Cuando todo terminó, o al menos eso creímos, la gente de Willie Dixon hizo un regalo extra para los que nos quedamos un poco más. En la pantalla gigante pasaron un recital y entrevista a Miles Davis en su época más funk (con Ken Folley y su "piccollo bass"). A la mañana siguiente sería lunes pero eso poco importaba.

Show de Cielo Razzo en Willie Dixon el 30-10-04

2004-11-03T22:50:00.000-03:00

LO BUENO

El show de Cielo Razzo en Willie Dixon mostró el buen momento que la banda está pasando en cuanto a convocatoria y antes que nada en cuanto a la relación con su público. Luego del duro pero breve momento de abucheos que soportó el actor (Dios mismo) que los presentó en una puesta no del todo lograda, la aparición de Cielo Razzo sobre el escenario desató los cantos de hinchada, el pogo, el baile y todo el arsenal de gestos de público rockero (y futbolero) por más que a veces sea algo exagerado el agite y no guarde demasiado relación con lo que pasa sobre el escenario.
Es increíble ver la popularidad que han sabido conseguirse sus canciones en tan poco tiempo. Desde aquel consagratorio Patio de la Madera donde se juntaron 2500 personas, Cielo Razzo es una banda que no ha dejado de crecer y que promete intervenir de lleno en la escena rockera nacional como ya lo viene haciendo aunque esporádicamente.
En la casi tres horas que duró la despedida de Código de barras tocaron todo su repertorio, incluyendo un set acústico y una especie de homenaje a Rosario con tres covers enganchados ("Cae Lenta", de Punto G, "Mirta de regreso", Adrián Abonizio, y "Ciudad de pobres corazones" de Fito Páez) y cada canción fue cantada como si fuera un hit. Asombra darse cuenta de cómo han pegado las canciones de una banda de -hasta ahora- sólo dos discos. De seguir así, la aparición de su tercer cd será un suceso casi instantáneo y Cielo Razzo el protagonista de un hecho muy extraño para un grupo del interior que aún reside aquí. Bienvenido sea el camino que están haciendo al andar.
Por lo demás la banda se mostró ajustadísima y suelta, demostrando que el muy buen año que están viviendo incide en su nivel y en su frescura sobre el escenario. Pablo Pino y los suyos ocupan el escenario con naturalidad y saben que en Rosario están jugando de locales y con viento a favor: condiciones que han ganado con esfuerzo y una carrera bien pensada.

LO MALO

Cita de un conferencia de prensa de hace unos meses:

(periodista) - En estos años sabemos que Los Piojos les vienen robando a ustedes, quería saber si habían pensado en algún artilugio legal, judicial, para que el próximo trabajo de Andrés Ciro sea diferente a lo que viene haciendo Cielo Razzo (risas).
(cielo razzo) - Bueno, del primer disco me hago cargo. Pero el segundo si vos tenés ese pensamiento estás un poco sordo. Sacamos el primer disco, y obviamente las influencias están. Yo creo que nos vamos a ir desprendiendo de a poco. Creo que con el segundo se desprende un poco más, y espero que en el tercero ya encontremos nuestro rumbo. Tratamos de hacer lo que nos gusta, y eso está influenciado por un montón de cosas, hay influencias de una melange de los noventa, no sólo de Los Piojos.

Entonces debo reconocer cierta sordera, pues si bien las canciones de Cielo Razzo son buenas, no puedo evitar (y juro que trato) sentir que pertenecen a quien todos sabemos: Los Piojos. Incluso cuando suenan más Stone, en realidad suenan a Los Piojos sonando Stone. El color grunge suena a Los Piojos sonando grunge.
En la base de "Manise" o "El balneario de los doctores crotos" podemos encontrar condensada la deuda que estos músicos rosarinos tienen con los de Palomar. En los conciertos y en los discos siento calidad, entrega, buenas intenciones y sinceridad, pero no logro escuchar personalidad. ¿Será un problema de sordera de este notero escuchar Los Redondos en grupos como Callejeros o Pier? ¿Será un problema de sordera de este notero escuchar Viejas Locas en la 25? ¿Será un problema de sordera escuchar casi sin ninguna interferencia Los Piojos en cada canción de Cielo Razzo? Y no sólo se trata de una cuestión de voz, sino de estilo, formación y estética.
Está bien, parece que eso no importa mucho para algunos (para mí sí) y no empaña para nada el aire de festejo que tiene cada show. Incluso parece que muchos disfrutan con esa retroalimentación que el género hace de sí mismo. Lo que para algunos es estancamiento para otros es aguante. Dicen que piedra que se mueve no junta musgo y en este caso siento la piedra un poco resbaladiza.

LO QUE ESPERAMOS

Estos dos shows fueron anunciados como la despedida de "Código de barras" y el anuncio de que Cielo Razzo se meterá a grabar un nuevo disco. Queda esperar que la personalidad emerja entre tanta influencia sin digerir y que el éxito corone a una banda de buenos músicos que viene trabajando mucho y bien en sus shows. Queda esperar que el público acompañe con la misma devoción la experiencia de crecimiento de una banda que aún guarda lo mejor de sí: un disco más personal.

Nota sobre "Odisea", el primer disco de Yarará & La Mandrilera

2004-10-25T15:30:00.000-03:00

En el tercer punto del "Decálogo del perfecto cuentista" Horacio Quiroga dice lo siguiente: "Resiste cuanto puedas a la imitación, pero imita si el influjo es demasiado fuerte. Más que ninguna otra cosa, el desarrollo de la personalidad es una larga paciencia". A riesgo de sonar demasiado literario creo que esta cita tiene mucho que ver con lo mejor y lo peor de la primera producción de Yarará & La Mandrilera cuyo título -"Odisea"- fue soñado por su líder: Sergio Barrilis.
En muchas canciones ("Canción de cuna", "Totó, el buscón", "Finales felices", "Super Bombón") el influjo -o influencia- de Yarará & La Mandrilera es, sin lugar a dudas, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Parecen haber resistido, como aconseja Quiroga, pero también parecen haber sido vencidos en esa misma resistencia y entonces aparecen palabras, frases, inflexiones de la voz que pertenecen al universo poético único que han creado el indio Solari y Skay. Desde el obvio tributo de "yo era la bestia pop" a palabras como "dealer", "hembrita", "cirquito", "esclavo" y a cierta manera ricotiana de armas las frases: "ay ay ay con aquella miel" o "ya no sos la más dura hembrita que mi alma domó". Y más que nada en cierta manera de cantar de Sergio Barrilis (que no es cantante y le se nota hasta la médula pero no importa, igual está bien, porque transmite fuerza y personalidad). El de este periodista no es ningún descubrimiento pues tan conscientes son ellos mismos de esta relación con el universo ricotero que hasta la guitarra cita textualmente el yeite ícono de "La bestia pop".
Pero no todas son derrotas al luchar contra la influencia. Hay zonas de despegue que hacen presagiar nuevos rumbos (¿se llamará "Iliada" nomás la segunda parte de este "Odisea"?). La Mandrilera no suena a típica banda de cantante con acompañamiento de músicos detrás, sino que hay una manera bastante experimental de entender la música como textura. "Stan Bubby" es, en este aspecto, uno de los temas más logrados, porque a pesar de ciertas reminiscencias a IKV y Los Brujos, suenan nuevos e interesantes. Como en el clima íntimo de "Madeline Hurricane" donde la voz de Barrilis canta "mal" -pero increíble a la vez- la mejor canción del disco. Y por último destacar dos cosas: primero, esa especie de mini-suite de tres partes ("Discoman - Entranze", "Discoman -Cybertización del super-yo" y "Discoman") que reformula la musica electrónica desde un punto de vista muy propio; y segundo, los últimos tres tracks unidos bajo el título de "Manifiesto Mandril" donde la psicodelia se suelta dando otra de las perlas del disco. Manifiesto enloquecido y dicho con una teatralidad muy marcada (a la Alfredo Alcón), que se sostiene con capas de ruidos usuales y extraños a la vez (el sonido de una vieja impresora de agujas es todo un hallazgo).
Como decía Quiroga más arriba: "el desarrollo de la personalidad es una larga paciencia". Por eso creo que lo que vendrá de La Mandrilera despertará expectativas. Lo nuevo y lo bueno (que no siempre van juntos) de esta primera producción tiene algunos logros que nos dan la paciencia para esperar por un disco más personal. Seguro que lo tendremos.

Nota sobre el primer disco de Fruta Deliciosa

2004-10-25T15:25:00.000-03:00

Algo bueno que sucede con las producciones rosarinas de un tiempo a esta parte es que han dejado de sonar "rosarinas" o que quizás la "rosarinidad" ha empezado a significar otra cosa. Por fin bandas tan diferentes como The Bareth Sessions, Fluído, Vudú o La Montecarlo (y me olvido de miles) pueden ofrecernos sus discos con un sonido profesional y que nada tiene que envidiar a producciones hechas en otro lado.
El primer disco de Fruta Deliciosa entra de lleno en esa serie de discos grabados impecablemente (el estudio de Carlos Altolaguirre otra vez) y hace que sus canciones merezcan la difusión de todas las radios y ser escuchadas en cualquier baile. Porque la propuesta de Fruta Deliciosa es -sin duda- una invitación a moverse. Ska y reggae con buenas melodías, bien cantado y bien tocado. Sus shows suelen ser buena muestra de esto: todos bailan.
En otro nivel, las letras son mejores cuando son más livianas o menos pretenciosas, como en "Torero", "A veces" o "Babilón". Cuando visitan la crítica social suenan un poco vacías ("Nunca más") o totalmente descentradas como en el super hit "Quiero dinero" donde se cuenta la historia de alguien que vive en la Villa 33 que tiene una cuenta bancaria y que quedó atrapado por el corralito: suena desactualizado e inverosímil. La mejor propuesta, por lo nuevo y por el excelente resultado, está quizás en el interesante ejercicio de collage o pastiche que construyeron a partir de canciones de Punto G, Coki De Bernardis y Recorriendo Caminos ("Maldita sensación"). El sonido de Fruta Deliciosa recuerda a aquel "Bares y Fondas" de Los Cadillacs pero mucho mejor logrado. Incluso se meten en riesgos como el de incursionar en la canción latina ("A veces") y salen bien parados gracias a recursos bien utilizados como las octavas en la guitarra (a la Wes Montgomery), la percusión y el color acústico.
Una banda que puede hacernos bailar, corear melodías muy bien armadas y sobre todo divertirnos. Se sabe que no cualquiera te hace mover los pies: hay cuestiones de groove entre batería, percusión y bajo, los exactos contratiempos reggae y todo un conocimiento puesto en marcha en cada track para lograrlo. Esta primera producción de Fruta Deliciosa es una buena muestra de esa nueva rosarinidad que empieza a significar calidad y buenas canciones.

2004-10-18T01:54:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Ely Guerra, Pericos y Café Tacuba en el Anfiteatro Humberto de Nito el sábado 16 de octubre del 2004

PRE

Arranca el sábado a la mañana con una lluvia que hacía presagiar lo peor. La gente de la organización tuvo que sortear los problemas del clima y,según nos enteraríamos después, así lo hizo.Al mediodía el viento limpió el cielo y la convicción de que el show se haría tranquilizó a los rosarinos que iríamos al Anfiteatro y que disfrutaríamos de escenario imponente. Pocos días antes nos habíamos enterado de que además de Pericos y Café Tacuba también actuaría ...

ELY GUERRA

Con un look afro la cantante mexicana mostró sus canciones nuevas y desconocidas para casi todo el público. Por estas tierras apenas se conocen sus aportes al disco de la película "Amores Perros" y al tributo de los Tigres del Norte (las excelentes "Dime cuando comenzó el dolor" y "La tumba falsa" respectivamente) y algunas otras cosas gracias al intercambio de archivos en la web. Su actuación sonó simpática y eléctrica y el público la escuchó con respeto. Era un tanto desenfrenado lo que pasaba arriba del escenario con respecto a lo de abajo pero Ely Guerra demostró que se banca reiniciar su carrera en este país siendo que en México ya va por su cuarto disco. Todos lo tomaban como un bonus track -bueno pero bonus track al fin- para lo que sería el plato fuerte de la noche: Café Tacuba. Todo era un preparativo para ese espectáculo. Después de todo en la entrada figura en letras grandes el nombre de Café Tacuba y, abajo, más pequeño el de ...

PERICOS

Cuando sonaron las gaitas que anunciaban la entrada de Pericos la mayoría nos preparábamos para ver por primera vez a Pericos sin Bahiano. Esperábamos hits, baile y entretenernos un poco. Y los casi veinte años de historia de este grupo nos demolió todos los prejuicios en sólo un instante. ¡Qué buen nivel el de esta banda! Fuimos tan tontos en pensar que la diversión es una cosa liviana y que Pericos ocuparían un lugar de paso nomás en la noche. ¡Qué equivocados estuvimos!
El sonido de Pericos es ahora mucho más rockero aunque también abre el juego a otros ritmos (salsa, soul, disco, punk californiano). Con reversiones de sus mejores canciones como "Jamaica Reggae", "Sin cadenas", "La hiena", "Su galán", "Monkey man", "Complicado y aturdido", "Waitin'", "Boulevard", "Nada que perder" fuimos dándonos cuenta de que las sabíamos de memoria, de que nos gustaban mucho más de lo que imaginábamos, de que podrían haber seguido tocando canciones "redonditas" durante un buen rato más porque afuera quedaron nada menos que "The ritual of Banana", "Me late", "Fronteras en América", "Eu vi chegar", "Parate y mira" y más, de que la diversión no era cosa de improvisados y de que no en vano pudieron tocar con figuras internacionales como Stewart Copeland, Rita Marley, UB40, Manu Chao.
La banda no solo ha retrabajado las canciones sino que despliega un nuevo mapa de citas que van desde "Another one bites the dust" de Queen hasta "Blitzkrieg bop" de The Ramones. Citas que irán definiendo el nuevo camino de este nuevo Pericos.
Como detalle extramusical queda agregar que también pudimos disfrutar de una banda que sale a escena a defender su lugar desde cero. Emocionaba ver a esos músicos que nos acompañan desde siempre tratando de seguir ocupando un lugar en nuestras vidas. Nada de matrimonios por conveniencia o mantenidos por rutina: Pericos quería renovar los votos de esa unión que secretamente -y hasta casi sin saberlo- hemos tenido con ellos.
Todos los presentes -y quien escribe- estaban exultantes de haber recibido tal regalo inesperado (repito: ¡que tontos fuimos en esperar menos!), por eso nos los dejó ir y los obligó a un bis que Pericos agradeció porque sabía que el público seguiría compartiendo sus canciones. "Bad Card" de Bob Marley fue el último bis como ofrenda a su estirpe reggae.
La verdad es que ya nos podíamos ir a casa, a pesar de que todavía faltaba la atracción principal de la noche. Costaba pensar en que otro grupo que no fuera Pericos cerrara la noche. Sin embargo estábamos ahí porque la entrada en letras bien grandes decía:

CAFE TACUBA

El escenario fue vaciándose. La gente de Ely Guerra se había llevado sus equipos. La "multitudinaria" formación de Pericos también. Los cuatro integrantes de Café Tacuba más el baterista invitado quedarían pequeños en tal vacío.
Y salieron nomás. El público los recibió bien pero con reticencia: a no olvidar ¡hacía sólo minutos había terminado el show increíble de Pericos! La primera canción de los mexicanos fue un símbolo de lo que sería su noche. La música como juego. Una breve melodía con una letra mínima: "1,2,3, probando". La prueba de sonido convertida en canción y gag. Ibamos sintonizando lentamente. "Cero y Uno", "Eo", "Mediodía" y "Eres" al hilo nos sirvió para entrar de lleno -ahora sí- al universo de Café Tacuba.
Como vienen haciéndolo desde hace tiempo, invitaron al violinista y guitarrista Alejandro Flores para esos aires folklóricos mexicanos (rancheras y corridos) que Café Tacuba ha reelaborado en sus canciones "Las flores" y "Ojalá que llueva café" (de Juan Luis Guerra y los 440)
Pero la noche hizo un quiebre a partir de "Ingrata". El histrionismo de los cuatro músicos de Ciudad Satélite y sobre de todo de Rubén Albarrán, que ahora se hace llamar Sizu Yantra (otro gag), fue llevando la noche a su apogeo. El escenario que temíamos les quede grande fue ocupado y habitado en cada rincón por estos cuatro músicos y sobre todo por los convulsivos bailes del cantante. Cada momento era la posibilidad de asombrar al público: el fade out y fade in de "Ingrata" (ese desaparecer-volver a aparecer), la arenga pseudo-rockera con tono de acto escolar mientras la banda susurraba un "Superstition" de Stevie Wonder con posterior entrega de palillos al público, los finales de cada canción (sin duda el aspecto más lúdico de la noche), el gorrito de gallo característico de "Dejate caer" más una coreografía muy simpática (que recordaba la de los Cadillacs en el video de "La vida"), la retirada diciendo: "ahora ustedes cumplen con el protocolo de pedir otra y nosotros con el de salir y hacer otra". Cada uno de estos momentos era festejado con aplausos por parte del público y con sonrisas por su parte. Se les notaba el goce de sorprendernos con cada cosa. Se les notaba que agradecían nuestra sorpresa. Y sobre todo, se les notaba que arriba la estaban pasando tan bien como nosotros abajo.
La iluminación fue otro factor poderosísimo en la puesta en escena de Café Tacuba. Muy bien marcados los momentos individuales y muy bien reforzados los ritmos con climas de luces. "Como te extraño mi amor" de Leo Dan cerró una de las noches más interesantes y enérgicas de Rosario.

POST

Era conmovedor ver las caras agradecidas de la gente. Por no mucho dinero habíamos participado de una gran noche. Conocimos a Ely Guerra. Bailamos y recordamos lo bien que nos llevábamos con Pericos y, de paso, les agradecimos que sigan a pesar de la deserción de Bahiano. Y para el cierre pudimos escuchar a una de las bandas más novedosas de los últimos tiempos y disfrutar su show (¡eso es un SHOW en al amplio y buen sentido de la palabra!).Buena música, humor, cosas nuevas, público entregado y agradecido: imagino que todos llegaron a sus casas y durmieron el sueños de los complacidos. Así lo hizo este notero.

2004-10-07T23:24:00.000-03:00

Nota sobre el recital de Los Cafres y The Wailers en el Anfiteatro Humberto de Nito el miércoles 6 de octubre del 2004

Con mucha gente en el anfiteatro -y mucha gente fuera- arrancaron Los Cafres cuando dieron exactamente las 21:30. Un largo camino recorrido, que los llevó a tocar con grandes del género como Inner Circle, Gregory Isaacs, Jimmy Cliff, Alpha Blondy o Yellowman, no restó importancia al hecho de compartir escenario con los que crearon el género o "la mejor banda de reggae del mundo" como ellos mismos la llamaron. Y se notaba el respeto. Tocaron poco tiempo (apenas más de media hora) y sonaron impecables ¿Qué mejor muestra de respeto para los maestros que tocar reggae como los dioses? Porque lo único que diferenció a los jamaiquinos de los argentinos es la mística, la historia y la onda que eso produce, pero musicalmente Los Cafres demostraron ser impecables. Guillermo Bonetto canta y conduce al grupo con tanta soltura que contagia ganas de bailar y cantar. "Sueña por el hoy". "Aire" y "De mi mente" fueron momentos destacables de su actuación y sirvieron como muestra de que "Espejitos" es un disco importante del género -y no sólo de él- en la Argentina.
La 'perla' de la noche fue el reiterado furcio de Bonetto confundiéndonos con Córdoba. "Vamos, Córdoba", "Aguante, Córdoba", etc. La gente tardó bastante tiempo en hacerle saber que estaba tocando en Rosario y no había nadie en el público que no pensara en los efectos de la marihuana en el cantante. De todas maneras Bonetto aclaró el tema con la anécdota de haber hecho algo parecido en Chascomús cuando gritó: "¡¡¡¡ arriba Chacabuco !!!!"
Anécdota aparte, Los Cafres son una de las bandas pilares del reggae argentino y tienen ese lugar gracias a su profesionalidad sobre el escenario, sus buenas canciones y una fidelidad al género que no los vuelve fanáticos conservadores. Una demostración de que miente el que dice que "la mejor banda de reggae de Argentina nunca podría tocar tan bien como la peor banda de reggae de Jamaica".
Terminado el show de Los Cafres quedaba esperar el plato fuerte de la noche. The Wailers empezó bien tranquilo con dos temas instrumentales mostrando un camino que funde el reggae bien "root" con la improvisación jazzera a cargo de Glen Da Costa (saxo tenor), Vincent Gordon (trompeta) y Earl Lindo (Organo Hammond). La diferencia básica con las bandas reggae argentinas está fundamentalmente es el color áspero, entrecortado y negro de los vientos y el órgano Hammond que recuerda la deuda del reggae con el R&B de New Orleans al igual que el clavinet.
Una ovación recibió a las tres coristas negras que ingresaron al escenario bailando y a toda la banda con un "Lively up yourself" antológico. El cantante -su nombre no figura en ninguna gacetilla- llevó con entusiasmo y humildad ese "mal de época" que consiste en ver personas parecidas a otras ocupando su lugar (¡viene The Doors a Buenos Aires! ... La biotecnología hará el resto). La presencia de Aston Barrett en el centro del escenario era aurática y por si fuera poco Earl Lindo y Al Anderson a cada lado. Había 40 años de música parados ahí, casi al alcance de la mano. Y que por suerte no descansaban en los laureles.
De todas formas hay que decir que fue una noche en la que se ausentaron inexplicablemente grandes hits de Bob Marley & The Wailers. "Legend" es el disco que tienen casi todos y es a la vez una excelente recopilación. Por eso extrañó la ausencia de "Is this love", "I shot the sheriff", "Satisfy my soul", "Jamming", "Buffalo Soldier" o "Could you be loved". Es sólo una observación del notero pero que también se escuchó entre el público. Igual no opacó la noche porque sí estuvieron en el repertorio una muy sentida versión de "No woman, no cry", una vuelta de tuerca a "Get up, Stand up" con un juego de vientos muy efectivo, "Redemption song" con banda para el bis y "Three little birds".
Fue una noche que Rosario pudo vivir -al fin- después de tantas cosas que llegaron y llegan al país y no pasan por aquí. El bajo de Barrett, el sonido hammond y clavinet de Earl Lindo, esos vientos cortantes y bien negros, las voces casi gospel de las coristas, esos comienzos de batería tan típicos, el wah-wah de la guitarra de Al Anderson, hicieron que la noche sea de ésas que van a recordarse por años.

2004-10-05T23:58:00.000-03:00

Nota sobre "Todos los perros van al cielo", el último disco de Bulldog.

LETRA

Estas frases transcriptas abajo son extraídas de "Todos los perros van al cielo", el último disco de Bulldog. Elegidas porque el oído no las dejó pasar impunes.
1 - "hay gente joven que ama más la vida y se entrega A ELLA para vivirla"
2 - "pongamos ya a germinar la semilla y hagamos un gran semillero"
3 - "ven, que loco es el amor"
4 - "no sufrir por las cosas mundanas que hay por acá"
5 - "todos hacen sentir con calor su pasión/ vi lugares con tanta belleza de nuestra nación"
6 - "que las almas son el refugio de tan grande soledad"
7 - "por siempre en mí rondarán"
8 - "Pienso que soy medio desprolijo/siento que me gusta mucho el rock"
9 - "esta es la historia de un gran amor no correspondido para los dos"
10- "invierte ese tiempo un poco en vos"
11- "sin sentirme discriminado aquí"

La sensación de que fueron escritas así nomás, al pasar, no puede quitarse de mi cabeza. Es cierto que Kurt Cobain y Charly García han hecho lo mismo pero evidentemente con distinto resultado que el que obtuvo la banda rosarina. El nivel de rimas es tan primario como el que se da entre ilusión - paredón - revolución - estrella - la más bella. Estamos casi a punto de perdonarle los cinco discos enteros de "El Salmón" a Calamaro.
Es cierto que leídas en papel o en la pantalla de la PC casi cualquier letra no resiste. Pero el problema en este caso es que ni siquiera suenan naturales cantadas: el oído se detiene en ellas y uno retrocede unos segundos el cd porque imagina que escuchó algo mal. Y no...
El problema no es la simpleza: esa siempre fue la virtud. El problema es la precariedad, el poco riesgo, la decepción de un disco que fue grabado en Rosario y con tiempo según ellos mismos. Suenan adolescentes en mal sentido de la palabra. No la inmadurez poética de Boom Boom Kid sino la inmadurez vacía de los programas televisivos para adolescentes de la tarde. La palabra tan bastardeada "revolución" (pobre ella, es más usada que la remera del Che), nombrar a "Joey" o a "Sex Pistols" suena a intento de validación, pero eso no se logra con citas y lugares comunes.

Y MUSICA

El aspecto musical de este nuevo cd es otro dilema. Celebro el riesgo de agregar un teclado y vientos y de hacer un tema instrumental en una banda que algunos llaman punk y yo no me animo (lo que hay de punk en Bulldog da para un congreso: ¿la actitud? ¿las letras? ¿la música? ¿su club?). Todo riesgo implica la posibilidad de que las cosas salgan mal y éste es el caso.
Los vientos empiezan bien en "1000 años" con ese aire reggae pero desentonan cuando marcan acentos mientras la guitarra distorsiona. En "Ya ves" francamente suenan a metidos con calzador. No parecen necesarios y el riesgo ya se ha transformado a esa altura en decepción. El teclado de Juan Vincenti aporta poco y cuesta entender su inclusión. Como también cuesta entender la canción instrumental "Tendencias".
Pareciera que han querido hacer algo distinto y en esa decisión les sucedió lo peor: no les salió. De todas maneras me cae simpático el hecho de que hayan pensado en nuevas posibilidades y quizás, más adelante, éste pueda tomarse como un disco de transición en la historia de la banda. Todas tienen un disco "malo" y "Todos los perros van al cielo" puede ocupar ese lugar con tranquilidad en la discografía de los Bulldog sin desmerecer sus logros y su relación con el público.
Estaría bueno que entre sus próximos logros haya un mejor trabajo vocal de Mantu (siempre al borde de la desafinación), melodías más interesantes y trabajadas ("Un manto de libertad" podría haber sido compuesta por Leo García: prueben imaginarla sin distorsión y después me cuentan) y un replanteo de las letras.

PARA ATRAS

"Circo calesita" sigue, en mi opinión, siendo su caballito de batalla. No por nada los dos videos de recitales que acompañan esta cuidada edición de "Todos los perros van al cielo" son de dos canciones de aquel disco: "La vida" y "3 D".

2004-09-30T17:17:00.000-03:00

Entrevista a Tiago Galíndez con motivo de los dos shows que realizará en El Museo, (1/10 y 15/10) junto a su banda The Vibrations.

Cuál va a ser la característica de estos dos shows en El Museo?

La idea surgió de hacer un show distinto a los que veníamos haciendo, en el concepto de tener un momento para probar diferentes formaciones, la banda que me acompaña, The Vibrations, se irá desmembrando en forma para probar diferentes canciones. También vamos a tener a algunos músicos invitados, alternar las canciones de mi disco con algunos covers nuevos en los cuales estuvimos trabajando. No es un unplugged, por así decirlo, pero es un proyecto similar. Y el lugar se presta para hacerlo, ya que la atmósfera que ofrece es ideal para disfrutar de la música mientras tomas algo...son en estos lugares dónde la música adquiere un plano más al frente...quiero decir....estás atento a ella...

Cuál fue el criterio de elección de los covers?

La elección de los covers se hace como un complemento a mis canciones y una exposición clara de mis influencias. No pienso en que son solo un buen medio para llegar a la gente. A veces pienso que las canciones que elijo para hacer como cover son aquellas que me hubiese gustado componer, entendes? Aunque si fuera así.....Vamos a hacer una versión de "Roxanne" de The Police, "Isolation" de Lennon, "Do ya think im sexy" de Rod Stewart, y algunos otros de The Beatles, Tom Petty, Depeche Mode, ELO, Charly, Fito, etc.Tratamos de buscar esas canciones que nos gustan mucho y nos representan como músicos.

Aparte de este show, van a sacar un cd muy pronto ¿no? ¿Qué planes tienen para el disco?

Hacerlo vivir...por así decirlo. El disco es un concepto en cuanto a las canciones que incluye; se titula "Hoy" y fue grabado en los estudios "Corcovado" por Ariel Migliorelli....Ahora el rock and pop parecería estar vacío de contenido, pero aún creo que una buena melodía puede llevar una idea junto a las palabras que la acompañen. La producción del disco costó mucho trabajo, pero es solo el principio. Los planes son poner en rotación el corte de difusión que esperamos pueda estar acompañado de un video clip y editarlo antes de fin de año. Tenemos algunas propuestas en Buenos Aires, pero aún estamos viendo qué se puede hacer. Todo es muy difícil, y los recursos son complicados de conseguir...pero es parte del encanto de esta "empresa".....ir contra todas las posibilidades, no?

Qué música solés escuchar?

Mira...yo soy un enfermo de The Beatles, y además trato de coleccionar todo su material pirata y lo referente a sus carreras solistas. Por supuesto que ya tengo todos los originales!! Siguiendo esa línea me gusta mucho gran parte de lo que se produjo en los años 60´s, y especial la movida inglesa. Me gusta mucho The Beach Boys, The Zombies, Bob Dylan, Hendrix. Por otro lado The Police, U2, Electric Light Orchestra,Eliott Smith y Michael Jackson. Además me gusta Sinatra, el tango y de música clásica, Beethoven en especial....pero lo mío es el rock, definitivamente, aunque la vertiente del pop me cae bien [ojo, veamos al pop de una manera más constructiva y no nos dejemos engañar por Mtv]

Qué estás escuchando de nuevo (que se haya grabado en los últimos dos o tres años)?

Estoy comprando muchos disco [compro, no bajo ni copio] ya que me gustan los originales y además colecciono. Lo último "nuevo" fue Musicology de Prince y me mató. Increible, no conocía mucho de el y me abrió todo un nuevo camino. Otro es Algo vuela de Gonzalo Aloras y Naturaleza sangre de Fito que me gustaron mucho. Norah Jones también fue uno de los últimos nuevos que compre...me encantó.

Qué pensás de la música que se hace en Rosario?

Me parece genial que haya mucha música en Rosario, que siga siendo un foco de nuevas ideas y nuevas canciones. Eso no significa en lo más mínimo que me guste todo lo que se hace acá, pero todos merecen respeto de todos. En lo que a mi estilo respecta no encuentro demasiadas bandas con las cuales compartir escenario. A Rosario le falta rock and pop. Me gusta Coki, pero más que nada cuando estaba con toda la banda, Fargus y alguna que otra banda.

Es posible difundir masivamente la música de una banda rosarina o pensás que no hay otra más que irse a Buenos Aires?

No!! Se puede hacer mucho en Rosario....mira Cielo Razzo...es un ejemplo para todos. Lo mio no tiene nada que ver con ellos, pero de alguna forma u otra nos mostraron que con mucho esfuerzo y laburo se pueden hacer cosas grandes...y crecer...eso es lo que vale...poder crecer. Aún así, la forma en que se construyó la Argentina nos dicta que Buenos Aires es una meta...yo voy hacía ella, más allá del resultado. Me encanta Buenos Aires.

Hay una idea bastante generalizada de que estamos pasando un momento de grupos "fotocopias". Bandas que copian a otras sin agregar nada. ¿Pensás que es cierto?

Si, las hay. Pero todo es parte del crecimiento. Nadie se queja hoy de las bandas increíbles que salieron atrás de Los Beatles en la llamada "British invation" en los 60....The Hollies, The Zombies y The Byrds. Hoy, creo que el rock está tratando de reinventarse a través de mirar un poco hacia las raíces. Después de coquetear con las maquinitas, las fusiones, las distorsiones, las pedaleras gigantes y los fuegos artificiales; nos acordamos que siempre seremos una bandita de garage. Creo que cuando uno comienza con la música mira a quienes admira. De ahi en más se da un proceso de crecimiento en el cual esta en juego la capacidad del artista de potenciar su individualidad y agregarle algo nuevo a su mundo de canción, entendes? Nadie se acuerda que Fito le copiaba a Charly, que Calamaro le copiaba a Lou Reed, que Gieco a Dylan, etc, etc. Pero crecieron y ahí reside el logro como artistas.

Que respondés si alguien te dice eso a vos?

Yo reconozco mis influencias y sé perfectamente cuando alguna de ellas aparece demasiado. Pero no me quedo tranquilo. Trabajo día a día para ir potenciando esas pequeñas cosas que me doy cuenta o alguien me hace notar como mías.Si alguien me dice algo con respecto a eso, está bien....solo estoy en proceso de crecimiento...si dentro de 10 años todavía me lo dicen....me preocuparé bastante...pero nada más....siempre voy a hacer canciones.

Si te dicen que lo tuyo es hacer sólo canciones ¿te describe, te injuria o te alegra?

Me alegra por supuesto...si es simplemente lo que hago...canciones. Todos hacemos canciones, más allá del logro artístico, lo referente a la belleza o complejidad armónica....si no es así, qué es lo que suena todo el día?!Estoy muy orgulloso de mis canciones, son parte de mi, se corresponden a sentimientos y urgencias mías....quien escuche mis canciones estará conociéndome y eso está bueno.

Y si te presentan como un músico de pop ¿te parece errado?

A mi me gusta el pop...el pop de The Beatles, de Michael Jackson, de Roxette, de Sting y U2, entendes? Mtv y toda su troup nos quieren confundir creando una tajante diferenciación entre el rock y el pop con sus "weekend Pop vs Rock"....mientras que se un lado esta La oreja de Van Goh, en la otra esquina están los Red Hot Chili Peppers. Creo que deberíamos limpiar el pop de la basura.

Están participando de un concurso de bandas en Buenos Aires en The Cavern ¿no? ¿De qué se trata eso? ¿Qué expectativas tienen?

Es un concurso que la cadena The Cavern, el lugar donde comenzaron The Beatles, realiza en todas sus sucursales del mundo. Las ganadoras pueden ir a tocar a Liverpool. La expectativa es participar y conocer gente. Ganar es una consecuencia posible de participar...nada más que eso.

Entrevista realizada por Julián Sorel (amigo de Corso Gómez)

2004-09-23T17:39:00.000-03:00

Nota sobre la versión libre de "La Biblia" de Vox Dei arreglada por Martín Cura

La versión de "La Biblia" arreglada por Martín Cura e interpretada por músicos que estudian en Escuela Musimedios se presentó los días 2 y 3 de setiembre en el Teatro Broadway. Griselda Montenegro dirigió la coreografía que bailaron una treintena de personas. La noche comenzó con un solo de guitarra (muy Malsteem) de Mauro Rossi que de entrada mostró que la noche iba a sonar muy distinta al mítico disco de Vox Dei. Sonaba un poco a virtuosismo pero estaba bien. El escenario no era una "rosarinada" más. Buenas luces, buen sonido y sobre todo, sorprendió una muy buena perfomance de los bailarines. El trabajo coreográfico era sencillo pero muy efectivo y creaba un clima totalmente acorde a cada parte de la obra y que, incluso, desapareció cuando tenía que desaparecer. El vestuario mostraba la misma sencillez y efectividad. Con poco hicieron lo que tenían que hacer y lo hicieron bien. El problema (que a la altura del tercer tema ya se mostraba como todo un problema) era el concepto musical del arreglo. La publicidad del evento hacía mucho hincapié en 10 músicos en escena. Y la verdad es que los músicos actuaron impecables. Un baterista, dos guitarristas, un bajista, dos tecladistas, dos percusionistas: una banda grande. ¿Entonces por qué la manía de agregar pistas a todo? Aparte de los 10 músicos se podían escuchar a otros 10 en pistas pregrabadas. No logro entender la desconfianza a la actuación en vivo que se ve hoy día en grupos de todo tipo (desde Los Piojos a Peter Gabriel). ¿Por qué? Aparte de las pistas (que, es cierto, puede ser discutible) el concepto sonoro era chato. Sonaba sin espesor o, lo que es parecido, con el mismo espesor que tienen las pistas pregrabadas de Operación Triunfo o American Idol. Un producto apto "para todo público" que termina siendo sólo para los que escuchan la música que escuchan todos. Y si no, ahí están los tres cantantes (Cristina Blanco, Luciana Tourne y Adrián Menet) que parecían salidos de un programa de esos. Buena técnica vocal, registro bien trabajado y todos los tics vocales (¿se acuerdan de Luli Pizarro?) de los adolescentes con ganas de convertirse en estrellas de un día al otro. Con ese defecto que tienen los estudiantes de locución: ¿no escucharon que casi todos los estudiantes de locución tienen la misma voz? Bueno, casi todos los cantantes que estudian suenan parecidos y hacen las mismas piruetas con sus voces. La "culpa" es de Christina Aguilera, Whitney Houston y Celine Dion que confunden la música con un festival de destrezas vocales. Por eso la aparición de Ricardo Soulé (medio desvencijado y con problemas para subir al mangrullo que estaba instalado en el medio del escenario) fue balsámica. Ninguna gran voz. Cantaba con su voz y sonaba su voz, con sus límites, sus defectos y con su única virtud: sonaba auténtica. Medio que ya cansaron los regresos de Vox Dei y las veces que Soulé ha vuelto a abordar su obra más conocida pero en medio de tanta chatura lo suyo tenía relieve. En una época de celulares que transmiten imágenes, sonidos, música, que sacan fotos, que se conectan a internet, se mandan mails y hacen destellos audiorítimicos, la presencia de Ricardo Soulé sonó a un teléfono de Entel con disco (nada de botonera). Una metáfora medio burda, sí, pero no tan descentrada. Lástima que sólo cantó una canción, hubiera hecho que el resto del show se vuelva un poco más placentero. Lástima que tan buenos músicos como los que hubo sobre el escenario hayan sido dirigidos por alguien que cree en ese sonido "moderno". Una noche para olvidar y para volver a desempolvar el vinilo de Vox Dei y darse cuenta de que era un disco no muy enorme pero tampoco tan pequeño.

2004-09-22T22:21:00.000-03:00

Nota sobre "En contra del tiempo", el cd recién editado de S.A.C. (Servicio Al Consumidor)

En la crítica cinematográfica existe una muletilla para describir películas que sólo pueden gustar a determinado grupo de personas. "Ideal para los amantes del género". Es decir que "Más rapido y más furioso" (por dar un ejemplo) es una película que va a gustar a un público que gusta de ver autos, motos, chicos malos y chicas voluptuosas, escenas de peleas en la pantalla. Que se abstengan los que aman las comedias románticas, las películas de terror o la pornografía. Creo que esta muletilla ("ideal para los amantes del género") puede usarse para describir el cd "En contra del tiempo" de SAC en lo particular y la música hardcore en lo general. Vayamos paso a paso. S.A.C. (iniciales de Servicio Al Consumidor) hace hardcore clásico dentro de lo que se conoce como "new school". No es sólo un ritmo imposiblemente veloz y apretado como solían ser las primeras canciones de Bold o Youth of Today sino que encontramos cambios de ritmos (alternancia permanente entre tensión y explosión) y sobre todo un sonido mucho más pesado y denso que el de los precursores. Tracks como "Culpable", "Traición", "Sin dignidad son buena muestra de esto (aunque todos lo son). Los cambios de velocidad que se producen entre las estrofas y los estribillos son marca registrada de este género. SAC es clásico también porque se mantiene dentro del género. No "utiliza" sus maneras para hacer otra cosa como lo han hecho Nirvana, Green Day, Atari Teenage Riot, El Otro Yo o Fun People. SAC se queda adentro. ¿Cuestión de fidelidad o rigidez? Decisión estética que los mantiene dentro de los límites de un determinado público y hace que el disco no sea apto para nadie más. Banda liderada vocalmente por Fede que no para de gritar (de eso se trata ¿no?) al nivel de que es casi imposible entender las letras y el idioma (canta en castellano). El librito del cd trae las letras pero aún así cuesta seguir la cantante. El resto de la banda (Sebastián en batería, Belisario en guitarra y Blackie en bajo) suena sólida, básica y maneja con soltura los cambios de tiempo. Creo que los amantes de bandas como Madball, Sick of it all, Diferentes Actitudes Juveniles (D.A.C.), No Demuestra Interés (N.D.I.) o Minor Threat disfrutarán el cd de S.A.C. A otros oídos les costará encontrar placer en en esos tracks. De todas maneras quienes disfruten de shows para bailar y hacer pogo imagino que esta música será ideal.

2004-09-22T22:18:00.000-03:00

NOTA SOBRE EL E.P. DE CUNI MASSA

La música de Cuni Massa (la que se puede escuchar en su E.P.) trabaja dentro de una estética un poco distante del horizonte del rock y del pop. A pesar de ser una confesa fanática de Fito Páez, su música es la de una songwriter que linda con lo melódico. Ahí tienen sino para comprobarlo el valsecito "En mí" que cierra el E.P. Giros melódicos, armónicos y vocales que pertenecen a otra tradición. Músicos (Marcelo Gallego, Marcelo Sali y Pablo Palumbo) que tocan con corrección dentro de esos parámetros distintos, lo que habla bien de su poder de adecuación. Baterías con una "rever" que por momentos se acercan peligrosamente a un color de radio FM (como se escucha en "Sepia"), guitarras que suenan profesionalmente rockeras (como sonaría un tema rockero interpretado por Ana Belén: el solo de "Porque sí"), en fin, temas bien tocados. ¡Enhorabuena! ¿Por qué no? Cuni Massa elige otro camino. A los oídos acostumbrados al rock más duro es probable que los momentos más rockeros del disco (como el de "Save mi alma") suenen un poco pacatos, pero el magnetismo de cada canción reside en primer lugar en la voz tan particular de la cantante. Esos giros casi tangueros o arrabaleros (cercanos al primer Moretti de Estelares pero bien distintos a la vez) son su marca registrada. Una voz que está al borde de la masculinidad sin dejar de ser femenina (como Adriana Varela). Una manera de decir las palabras donde se escucha cada letra. Cuni Massa dice "C-L-A-V-A-D-O" y no "clavado". Se puede escuchar perfectamente cada letra en las palabras que pronuncia esta compositora. El nivel poético de sus canciones es otro punto a destacar. En un idioma tan áspero como el castellano (que algunos "britanizan" para sentirse más rockeros) ella juega justamente a lo contrario. No evita esas asperezas y las utiliza para definir un estilo. Cuni Massa las exalta, las resalta y centra lo mejor de su arte en ese gesto. Basta escucharla decir "dale, limpiame bien las alas" con esa forma tan suya para entender de que estoy hablando. Un E.P. que muestra una compositora de buenas canciones (letra y música), con una voz propia que no imita a nadie. No es poco. Para nada. De todos modos sobra prolijidad en los músicos y eso le quita un poco de rock al asunto. ¿Habrá sido su intención?

2004-09-13T14:29:00.000-03:00

Nota sobre el E.P. de Fluído

El sonido del último E.P. de Fluído se aleja del nü metal. Aunque también -propongo- cabe pensar distinto esta afirmación: ¿El sonido del último E.P. de Fluído se aleja del nü metal? Vale la pregunta tanto como la aserción. La razón de esta dualidad puede encontrarse en los caminos que actualmente están transitando las bandas de este género. ¿Qué grupo sigue al pie de la letra las recetas del nü metal? ¿No será que el nü metal va actualmente hacia otro lugar? Creo que con los estereotipos del género se quedaron las bandas menos interesantes como Evanescense o Linkin' Park, mientras que Incubus, Korn o Deftones se mueven hacia otros lugares. Por eso me parece que Fluído se aleja del nü metal porque se acerca a lo que las bandas nü metal andan haciendo por estos días. Que es un poco lo de antes con el agregado de melodías más cercanas al pop. Más melodías y menos guitarras ultradistorsionadas (me refiero siempre al E.P. y no a las actuaciones).No puedo evitar pensar en Incubus antes que en cualquier otra influencia. Es lo que más escucho cuando escucho a Fluído. Las melodías, el timbre de la voz, las texturas de la guitarra, el paso del nü metal de "S.C.I.E.N.C.E" al pop-metal de "Morning view", y un sonido poderoso. La gente de Fluído los escucha y se les nota. También aquí hay dos ramificaciones. Podemos decir que nos encontramos ante otro grupo "fotocopia" y seguir buscando algo "original" (que alguien me tire nombres de bandas "originales" que suenen totalmente nuevos). Es decir, podemos poner el valor únicamente en la novedad. Pero también podemos tener una mirada más musical -por llamarla de algún modo- y darnos cuenta de que Fluído suena como los dioses y que está a la altura de sus héroes. Subdesarrollo mediante solemos creer que cualquier banda inglesa, californiana o de donde sea es superior a una banda argentina. Provincianismo mediante solemos creer que las bandas porteñas suenan mejor que las rosarinas. Quien escuche este E.P. (de sólo tres canciones) y busque buena música se dará cuenta de que Fluído es una banda que hace las cosas en serio y que podemos equivocarnos. Los temas son inteligentes, las texturas que manejan las guitarras, los grooves demoledores de batería y bajo, el sonido y una voz que se encuentra en su mejor momento. Estamos ante músicos de verdad que tocan nü metal por elección pero que podrían hacerle frente a cualquier género. Establecen un techo de calidad en esta ciudad y quisiera escuchar cuantas bandas suenan así.Sólo tres temas "Perder el tiempo", "Acá estoy" y "Poder continuar" hacen que uno se quede con ganas de más. Los E.P. son la solución económica para grupos "chicos" (obvio que me refiero sólo a su masividad) pero dejan insatisfecho el paladar del fan. De todas maneras, hay una clara evolución respecto de su anterior cd, sobre todo a nivel sonoro y de mezcla, que da un protagonismo más merecido a la voz y las letras. Sólo queda preguntarse para cuándo el cd entero

2004-08-18T12:24:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Cacho Light, Carmina Burana y Las Manos de Filippi el viernes 13 de agosto en Willie Dixon

Faltaba muy poco para que comenzara el show de Carmina Burana y Las Manos de Filippi en el flamante Willie Dixon cuando se cortó la luz. Casi dos horas con mucho calor y un par de luces de emergencia. Y lo peor no era eso sino que ningún responsable del lugar se hiciera cargo de decirle al público qué estaba pasando. Miles de hipótesis se aventuraban entre aburridos adolescentes y no tanto mientras nadie aclaraba nada. Hubo gente que quiso irse y que también -obviamente- le devolvieran el dinero de su entrada, pero los organizadores (a veces este título les queda demasiado grande) optaron por tirar la pelota para adelante y poner la peor cara de "yo no fui". Es una pena (o da bronca) ver un lugar tan bien preparado para escuchar música, con un escenario que no se encuentra muy seguido en esta ciudad, tomar algo, pero dirigido por gente que no está a la altura de lo que representa. En fin ...
El show, entonces, empezó bastante tarde y con la sorpresiva aparición de Cacho Light (¿?) con una propuesta bien breve y no del todo clara. Formación a lo White Stripes (sin bajo eléctrico y una sola guitarra) y mucho delirio sobre el escenario. Igual la gente quería divertirse después de dos horas de apagón, por lo que fueron bien recibidos los movimientos exagerados de Cacho Light y sus canciones desprovistas, crudas.
Cuando salió la gente de Carmina Burana se desató un pogo bestial. La fuerza de la banda en vivo parecía transmitirse directamente a su público y el comentario de que se sentían "raros" en un escenario tan alto y alejado de la gente parecía una broma: se movían como peces en el agua.
Una apuesta fuerte al ska punk más duro y más básico entreverado con algo de ritmos latinos que recuerdan vagamente a los mexicanos Maldita Vecindad o a los franceses de Mano Negra (de los cuales hicieron un cover). Referencias de las que no quiero abusar porque sólo sirven para orientar a quien nunca los escuchó pero que se vuelven totalmente propias cuando pasan por los músicos de Carmina Burana. Un resultado que convence y en el que se involucran el histrionismo del cantante, la simpleza de las canciones y un público que participa como puede: saltando, pogueando, cantando. David Byrne decía que "si bailan, entenderán mejor la música" y los que siguen a Carmina Burana lo saben al dedillo: es un espectáculo que se debe vivir así para disfrutarlo plenamente. Quizás por esto es que el fuerte de la banda es la actuación en vivo.
La salida de Las Manos de Filippi no podía ir más alto de lo que llegaron los de Carmina a pesar de que estamos hablando de muy distintos niveles de difusión y alcance. "Señor Cobranza" fue la canción que, gracias a una excelente versión de Bersuit/Santaolalla, les dió algo de masividad a Las Manos de Filippi. Colgados de ese himno combativo de la era menemista actualmente buscan una segunda vuelta con "Señor Esperanza" donde esta vez se meten con el señor K. (todo bien, muchachos, mientras las canciones no sean aprovechadas por Hadad). La etiqueta de "rock piquetero" los define mucho más de lo que uno quisiera. Música de protesta, música coyuntural, música que de no existir el contexto que la provoca no tiene razón de ser. La verdad es que la cuestión musical aparece bastante por debajo de lo político (la legalización de la marihuana, los piquetes, Menem, Kirchner, fútbol y estado, y la lista sigue), y quizás no les importe: Las Manos de Filippi no parece ser un grupo que busque colgar nuevos temas clásicos en el firmamento rockero argentino. A lo mejor su único objetivo es hacer canciones como panfletos, con el mismo propósito y duración de un panfleto, y si es así no soy quien para decir que eso está mal. Baste con aclarar que a mí no me gusta, lo que no es tan grave ¿no? El problema es que a veces los piquetes abren caminos pero se olvidan de la música.

2004-07-31T22:14:00.001-03:00

Nota sobre "No Signal", disco de All The Hats

El mundo del punk es enorme. Desde el punk-style que portan teenagers que se autodenominan anticaretas hasta tipos que terminan extinguiéndose por sus excesos (de Sid Vicious a Ricky Espinosa). En la música punk también: desde Green Day a 2 Minutos hay mucho por recorrer. A veces se valora la "actitud" punk y bajo esa premisa se soporta la guitarra más desafinada y la banda más desprolija del mundo.
Todas las historias del punk hacen hincapié en la reacción de los pioneros (Ramones, The Clash, The Buzzcocks, Sex Pistols, Television) ante la excesiva estetización del rock sinfónico. Se habla de un regreso a lo básico, una suerte de formateo del disco rígido del rock. Nunca se habla de la idea de tocar mal sino de volver a lo simple, lo esencial. Por eso se hace difícil entender por qué en Rosario cuesta tanto escuchar una banda punk que -habiendo tantas- suene bien.
Por eso el disco de All The Hats es algo bueno para el género en Rosario. Establece un nuevo piso y un nuevo techo. Por fin una banda punk que se preocupa por la música. No sé ni me importa si son caretas (que palabra punkita barata), si cantan en inglés (aunque yo prefiera el castellano en una banda de acá), si se visten como punks. ¿No se trata de música esto? Sé que lo otro importa, pero, antes que nada ¿no estamos hablando de música? O, ¿de qué estamos hablando cuando hablamos de música? Cada uno tendrá su respuesta. All the Hats responde con "No Signal", su disco nuevo. All The Hats responde con música.
Con influencias de varios íconos punk como Rancid, Bad Religion o Pennywise la gente de All The Hats saca un disco de producción impecable que está al nivel de sus ídolos y que muestra una banda que está pasando un momento musical importante. All the Hats maneja los climas como en la canción que da nombre al disco ("No Signal"), muestra músicos de estatura (el bajo en "Ready"o "Bad Boys", la batería en "F**k ya" sirven de muestra) y se anima a los límites del punk (el solo de guitarra en "Falls on you" o el ska de "Bad Boys"). La voz de Lucas con garra y sin desafinar da el color propio de la banda.
Desde el arte de tapa, la mezcla y masterización a cargo de Carlos Altolaguirre, las canciones de All The Hats, el nivel de sus integrantes, el juego por dentro y por los límites del géneros, todo indica que mientras el punk también signifique preocupación por la música podremos disfrutar del punk rock por mucho tiempo.

2004-07-31T22:14:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de El Otro Yo en El Sótano el viernes 30 de julio.

En varias canciones del último disco de El Otro Yo (E.O.Y.) se escuchan frases del estilo "siempre intentando hacerte feliz" o "sólo quiero hacerte bien". Y esa es la intención que la banda de los hermanos Aldana deja traslucir en vivo. Pogo, avalancha, salto, adolescentes mostrando con timidez sus corpiños, todo en un marco de buena onda que Cristian Aldana y los suyos estimularon a lo largo de un show potente y repleto de canciones coreadas por todos. Hasta la gente de seguridad encargada de que nadie suba al escenario se preocupaba por ver que los pibes que ellos mismos atajaban estén bien.
El Otro Yo es una banda que huele a espíritu adolescente y esto no es -para nada- algo peyorativo. Sus canciones dicen cosas que los adolescentes corean convencidos. Y E.O.Y. sabe que ese es básicamente su público, que oscila entre la apatía "no me importa, no me interesa, no sé por qué", la furia "estoy cansado de este mundo de mierda, la familia es una cagada", la necesidad "dame un abrazo, necesito un abrazo", la puerilidad "no quiero más tetonas, quiero culonas", la desorientación "no sé vivir, enseñame" y el optimismo "todos ustedes que quieren cambiar el mundo, no se detengan, te voy a ayudar hasta el final". Muchos medios han criticado este perfil (¿teenager?¿naïf?) de E.O.Y. pero viéndolos en vivo es imposible equivocarse. Lejos de un rock "piquetero" y oportunista, suenan auténticos, inmaduros, palpables.
El último disco de estudio (Colmena, 2002) es el disco más pop del grupo, cambio iniciado desde el anterior (Abrecaminos, 1999) con la inclusión de teclados y la producción del tándem Diego Vainer - Ezequiel Araujo. En vivo es otra cosa: casi no hay teclados y Ezequiel Araujo funciona como guitarrista dando a E.O.Y. un sonido más punk (o punk pop si se quiere) sumado al toque agresivo de Raimundo Fajardo en la batería.
La noche abrió con "Calles" y de ahí en adelante la mayoría fueron hits (¿cuántos hits ha creado E.O.Y.?). "10000000", "Inmaduro", "Alegría", "Me harté", "No me importa morir", "La música", "La ola" y la lista podría seguir. También hubo de "los viejos" para los fans que siempre siguen al grupo: "La tetona", "69", "Dibujito" (en una cálida e íntima versión de María Fernanda Aldana sola con su bajo), "Hombre de mierda", "Funk you", "Analía", "E.O.Y." muchos rescatados por la edición del disco en vivo "Contagiándose la energía del otro".
Con calidez Cristian Aldana recibió regalos de sus fans (una gorra, un libro, una mochila) y con calidez bromeó toda la noche: ¿Es El Otro Yo la banda más sexual de Argentina? a lo que su hermana retrucó "¿no estás un poquito caliente vos?". "Y ... sí" fue la sincera respuesta. Candidez, sinceridad, canciones potentes, amor y furia. Los condimentos necesarios para un buen show.

2004-07-20T17:20:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Gurú, Joysick y Ad Libitum en la Sala Lavardén el 15 de julio

El jueves 15 de julio se presentó Gurú en la Sala Lavardén con la participación de dos bandas: Joysick (Córdoba) y Ad Libitum (Pérez). El teatro, como pocas veces, estaba lleno y con un público bastante heterogéneo. La noche se abrió con Joysick, con buena puesta en escena y mucho power en sus guitarras y bajo de 5 cuerdas. Arriba del escenario mucha energía, mientras que abajo la gente escuchaba con calma. "Digan que es un teatro, que si no ..." dijo en un momento el cantante. Y sí, una sala de teatro no parece ser el lugar ideal para este tipo de recital aunque sí lo era para un público que parecía encontrarse muy a gusto en sus butacas. Luego siguió Ad Libitum, un quinteto que mostró un repertorio con amplia mayoría de covers. Lo mejor fue una versión de "Army of me" de Björk al que siguieron covers de System of the Down, Alanis Morisette, Evanescense y algunas pocas composiciones propias. Con buen sonido pero con un espectáculo que desentonó un poco con la propuesta de las otras dos bandas. Terminada la actuación de Joysick y Ad Libitum todo estaba listo para la salida de Gurú y el público estaba de su lado. Con una escenografía interesante y jugada que demuestra que no hace falta demasiado dinero si hay al menos una buena idea detrás. La iluminación muy de punta dió todo de sí para que como espectadores nos sintamos ante una banda profesional. Detengámonos un segundo. Gurú es una banda que está haciendo bien las cosas. Músicos de buen nivel, canciones que cumplen con los requisitos del género, cantante que conecta fácilmente con el público, escenografía con gusto, buena convocatoria, invitados que aportaron lo suyo (guitarrista y cantante de Fluido y el cantante de Purple Haze). ¿Qué más se le puede pedir? A riesgo de parecer demasiado puntilloso planteo la cuestión de qué aportan al género nü metal como grupo. ¿Qué es lo nuevo que ofrece Gurú? El nü metal es un género que a esta altura está muy sobrecodificado. Códigos que van desde un tipo de vestimenta, manera de moverse en el escenario, cortes de pelo, arreglos musicales, instrumentación. Gurú -y Joysick también- los repite todos sin evitar ninguno. Cada canción suya remite, al menos globalmente, a Linkin' Park, al primer Incubus -el del disco "S.C.I.E.N.C.E."- y a muchas otras bandas que incursionaron en ese género. Quizás ese no sea un defecto y al igual que pasa en el mundo del heavy metal clásico (con sus invocaciones de guerreros, lucha, mística, tachas, cuero y etc) sea una condición necesaria. La idea de jugar con los límites del género no está en la idea de estas bandas que trasplantan características de otras casi sin mediaciones. Quizás -lo repito porque no va a faltar el fan ofendido- no sea un defecto sino sólo un rasgo que define el estilo. Gurú es una banda que está "jugando en primera" por la calidad musical, por lo que dan en cada show, por lo que convocan y porque están haciendo las cosas bien. Si el género no está agotado y aún puede dar un nuevo grupo con éxito, Gurú tranquilamente puede ser ese grupo.

2004-07-05T19:03:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Los Cuerpos, Quartett Concept y Fruta Deliciosa en A.D.N. Bar el jueves 1º de julio

El jueves 1 de julio se presentaron 3 bandas en ADN Bar: Los Cuerpos, Quartett Concept y Fruta Deliciosa. La noche empezó un poco más tarde de lo esperado por la final de la Libertadores pero el fútbol, en definitiva, no le restó convocatoria.
Los Cuerpos largaron con su sonido cercano al grunge de los '90s, sobre todo al de Pearl Jam. Dos guitarras al frente, bajo y batería con buen groove y una voz que se anima (faltó apoyo del sonido para que tuviera el protagonismo que merece). Sus canciones ("Hombre gris", "Siempre" o la nueva "Extratonauta") muestran una banda con buenas ideas que remiten a una música sin plagiarla, bien arreglados con un guitarrista (gorro a la Frusciante) que estuvo impecable, y un sonido muy ajustado. ¿Cuántas bandas pueden hacer sonar bien "Love rears its ugly head" de Living Colour como lo hizo Los Cuerpos el jueves?
Interesante la propuesta de Los Cuerpos, que no hace tanto que están tocando y ya telonearon a Las Pelotas en su última actuación en Rosario y que en el escenario suenan en serio.
La segunda parte de la noche fue para Quartett Concept. Banda que lidera Juanjo Caporali (bajista de Chichines) que sorprendió en su nuevo rol de cantante (y "danzarín") que deja el bajo a Lisandro Falcone (ex-Mortadela Rancia). Lo de Quartett Concept es el rock. Sí, pero con arreglos que suenan tan estrafalarios como divertidos. (¿Frank Zappa?). Por ejemplo ese "que que que quenavararara ... " de Rucucu (Alberto Olmedo) en medio de una canción. ¿Música para músicos? No, música a secas me atrevo a afirmar. Músicos que se divierten arriba del escenario y gente que se divierte también abajo: de eso se trata. Juanjo Caporali mostró que es buen showman y buen cantante y un grupo de músicos que está para tocar en cualquier lugar.
Mientras se preparaba el tercer grupo la gente de ADN regaló pizza a toda la concurrencia que festejó el gesto con apetito. Eran las 2:30 y ¿quién no tiene hambre a esa hora?
Fruta Deliciosa cerró con su propuesta de reggae y ska que un importante público femenino no dejó de bailar y cantar durante todo el show. Cercanos a la primera época de Los Fabulosos Cadillacs o Los Pericos, aunque sin vientos, Fruta Deliciosa sabe hacer bailar y sabe hacer buenas canciones con estribillos pegadizos, apoyados en la solidez de lo percusivo (batería, percusión y bajo) y la sencillez del teclado y las guitarras. El disco que van a sacar en pocos meses debería tener éxito (ojalá cuente con una buena publicidad que respalde su propuesta). Con una gira por el sur y actuaciones junto a Los Cafres bajo el brazo, más un disco que aparecerá pronto, dejan la sensación de que Fruta Deliciosa tiene por delante sus mejores momentos y que cada vez serán más los que bailen ahí adelante cada vez que actúen.

2004-06-30T12:24:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Los Sucesores de la Bestia en La García el 26 de junio

Hace unos meses un blog rosarino decía que no entendía lo que habían querido hacer Los Sucesores de la Bestia (LSB) con su versión de "Pump up the jam" de Tecnotronick. Los que estuvieron el sábado 26 en La García lo entendieron perfectamente. Divertirnos, hacernos bailar. No en vano se presentaron como "la banda más careta de Rosario", guiño que los despega de las decenas de bandas que se preocupan por una postura "anti-careta" antes que por hacer buenas canciones. Guiño que acaba con esa discusión adolescente y barrial que tanto empobrece a la escena local y los coloca en otro lugar. LSB hace buenas canciones, suena bárbaro y tiene un fuerte presencia sobre el escenario. ¿Qué más se le puede pedir a una banda?
La García, en su reducido espacio (¡esa columna en el medio!) albergó muchísima gente en la fría noche del sábado. Mayoritariamente mujeres. Un público, mucho más heterogéneo que el que solemos ver en otros shows, acompañó con atención y entrega. Es que era imposible no entregarse viendo lo que pasaba sobre el escenario. Daniel Pérez, el cantante, impecable, con un manejo vocal que merece atención y un derroche de energía y entendimiento que la gente supo agradecer. Todos los detalles cuidados, desde los "raros peinados" (que ya no son tan raros pero están bien) hasta el uso de pistas de altísima calidad. No hubo una nota de más, porque todo apuntó a la eficacia de las canciones y no al lucimiento personal.
La música de LSB reconoce varias influencias. Marvin Gaye y su "Let's get it on" (citado en el show) con todo el sex-appeal y cachondeo que llega incluso hasta Prince. Y por otro lado la furia del sonido de Korn en esos giros violentos que por momentos daban sus canciones. Recurso un tanto usado (por ellos mismos y por otras bandas) el de la canción que explota para hacernos sacudir la cabeza pero que también conserva su eficacia. Nos entregan canciones bailables y también -si se me permite la expresión- "saltables".
Una leve queja deja (para este cronista en particular) la actuación de LSB: el uso de pistas pregrabadas. Muchas bandas y de todo tipo están usándolas últimamente (desde Miranda! a Los Piojos, desde The Bareth Sessions a Bersuit) y uno empieza a acostumbrarse a escuchar cosas que no ve sobre el escenario. Muy bien grabadas pero demasiado protagonistas al punto de que por momentos los músicos no tocan. LSB no lo disimula y lo maneja como chiste y excusa para bailar lo que es una buena vuelta de tuerca al asunto pero no termina de convencer.
De todos modos LSB es una banda de un nivel que no suele verse seguido en Rosario y que está para jugársela también en otros lados. Buenas canciones, onda sobre el escenario, cuidado profesional sobre todos los detalles que implican un buen show, calidad musical. Si un recital es (entre tantas otras cosas) una manera de publicitar un disco, éste fue un éxito, porque estoy seguro de que muchos comprarán "Fantástico Bailable" apenas salga y se pondrán a bailar en sus casas.

2004-06-22T13:19:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Tamagochi, Ladón y Perversos Polimorfos en el bar El Sol el 12/06/04

En la noche del sábado 12 de Junio se encontraban tres bandas rosarinas en el bar El Sol, Tamagochi, Ladón y Perversos Polimorfos ante una muy buena convocatoria.
El show comenzó con Tamagochi, un grupo de power pop que hacía tiempo no se presentaba en escenarios rosarinos. La última vez (más de un año y medio atrás) lo habían hecho con otro guitarrista, así que esta vez estaban de estreno.
El show comenzó con problemas técnicos pues, como nos enteramos después, no pudieron probar sonido. Por esa razón las dos primeras canciones sonaron sucias pero de a poco el sonido se fue ajustando y al llegar "No pude" (una balada de letra asesina) ya sonaban como se debía. La propuesta de Tamagochi, un pop fuerte con influencias de No Doubt, Garbage o Red Hot Chili Peppers, sigue intacta. Las melodías son pegajosas y hubo muchos que cantaron partes de "Domingo TV" (películas de perros y monos que caen de la tv), "Sangre de birome" o "Viuda negra". Las canciones muestran un grupo en su madurez compositiva, pero les jugó en contra la sensación de que podían dar más de lo que dieron.
La cantante (Valeria Caruso) y el baterista (Alejandro Quintana) fueron correctos pero no más que eso. El bajista (Marcelo Rossia) no pareció estar sintonizado más que por momentos. Y el novísimo guitarrista (Luciano Rivas) sonó desajustado por momentos.
Quiero ser claro. Tamagochi sonó muy bien pero quienes hemos visto varios recitales de esta banda sabemos lo que pueden dar y esta vez no nos lo dieron.. Creo que están acomodándose y van a dar mucho más. De todas maneras sus canciones son de lo mejorcito que se escucha por estos lados.
El segundo grupo de la noche fue Ladón. Siete músicos en escena. Una formación que desde lo instrumental no mostró fisuras. La banda hace un rock muy bien arreglado y preciso. Demostraron ser muy eficientes al versionar "Another brick in the wall" de Pink Floyd o "Creep" de Radiohead. Y sus propias canciones también dieron señales de que Ladón es un grupo de músicos que se toman las cosas en serio. Sólo falló por momentos la voz del cantante pero no llegó a opacar lo que fue una buena actuación. El público los siguió atentamente y estoy seguro de que es una banda que puede llegar lejos.
Por último la noche nos regaló una perlita: Perversos Polimorfos. Cuanta furia en esas canciones amorfas. Cuanta perturbación en ese guitarrista. Cuanta insensatez en ese público poguero. Cuanta locura en esos invitados que subían al escenario. Un grupo divertidísimo y muy interesante. Una banda con un sonido under (para quienes dicen que en Rosario no hay under, ¡vayan a ver a Perversos Polimorfos!) con reminiscencias de otras músicas amorfas: Los Brujos, Primus, Faith No More, y más. Canciones de apenas segundos, finales inesperados, grooves deformes, un guitarrista con los efectos justos en el momento justo (un The Edge recién salido del psiquiátrico) y un grupo de cuatro personas que, se notaba, la pasaba bárbaro y contagiaba su alegría al público.
Más que un recital fue una experiencia. Un momento de locura que renueva la música de esta ciudad.

2004-06-14T18:57:00.000-03:00

Nuevo disco de Murió de Asco en las bateas rosarinas

La noticia no es que Murió de Asco sacó un nuevo disco. La noticia (y muy buena) es que hay cosas nuevas que escuchar en este nuevo disco. "Alejándonos del éxito" -que así se llama- suena apenas cercano a la diversidad de The Clash (reggae, punk, ska, etc.) o a la simpleza y efectividad de los Television (sí, como Tom Verlaine y Richard Lloyd y aquellos yeites perfectos). Esas referencias están ahí pero totalmente personalizadas porque Murió de Asco suena antes que nada a Murió de Asco. Y ese sonido es el del despojo, el de "menos es más", casi sin solos de guitarra (lo que los acerca al punk-rock), con bajos machacosos, contagiosos ("Italia y el Colón") y una batería eficiente a lo largo de las 14 canciones del cd. Buenos riffs de guitarra, iluminados, de esos que se pueden cantar, pachangueros ("Aturdido por los pijazos"), calmos y sutiles ("Wichu Wichu") o de auténtica kermesse (el slide de "El travesti más feroz"). Una voz particular que, aunque a veces parece que grita mucho o que está siempre al borde del grito, demuestra que puede cantar más relajado como en "La terrible muerte de Tu Sam". Una voz que de todos modos es la única que podemos imaginar en esas canciones. ¡Que bueno cuando escuchamos una banda que no imaginamos de ningún otro modo! Eso es un buen "producto final" ¿no?: el que es inmejorable.
Las letras de las canciones son otra apuesta fuerte de Murió de Asco. A veces están escritas con un humor emparentado con la ironía de un Casero o de Todo x 2$ como en la versión reggae de la Marcha Peronista donde -menemismo mediante- ya no se combate al capital sino que se combate "a Soldán" y en la segunda parte se la canta ¡en alemán! Otras veces se echa mano a la historia rosarina como en el caso de "Hay que matar al que inventó la Feria de las Colectividades" donde juegan con el relato del gallego que echó los pulpos al agua del Paraná en lugar de echarlos al agua de la olla y se enumeran "faloperos y punguistas, niños crotos, relatores pelotudos, bailarines fracasados", encima "no se puede estacionar". Otras veces con la historia argentina y el humor negro: en "Las muecas de Cafrune" hablan del camión ¿Scania? que lo atropelló mientras intentaba recorrer el país a caballo y el rescate de su imagen con un termo de Taragüí, y en "Gracias Pesquera" se permiten meterse con la muerte de Rodrigo.(Sí, adivinó, Murió de Asco no es un grupo "políticamente correcto"). En varias canciones ("Italia y el Colón" por ejemplo) el cantante hace gala de un inglés inentendible y de principiante (como el primer Bahiano) metiendo palabras que "no van" y que, en doble juego, apuntan al humor (por el equívoco) y a resaltar las melodías (no importa qué dice sino la melodía que se canta).
Hay varias pistas en el disco que apuntan a relacionar a Murió de Asco con el peronismo. La tapa del disco tiene la foto de la plana mayor del peronismo quemando un ataúd radical.en el '83 (lo que los llevaría a la derrota electoral) y en el interior hay fotos de la supuesta hija de Perón, de María Estela Martínez de Perón, de Barrionuevo y de Perón mismo. El disco termina con un bonus track cuya última frase es "¡viva Perón carajo!". Juego de absurdo sobre hechos absurdos de nuestro país cantados con humor y sin piedad alguna ni encanto pero con ritmo de "polka eléctrificada". Murió de Asco se mete con la enciclopedia de los pequeños y grandes acontecimientos de la vida y del imaginario argentino. Lo extraño y digno de festejar es que salen bien parados.

MURIO DE ASCO
Marcos Zucker Voz
Tía Tita / Tía Leonor Guitarra
Clota Lanzetta Guitarra
Activo Bajo
Ramón C. Bóveda Batería

Alejándonos del éxito

01 - Italia y el Colón
02 - Zambita para el amor
03 - Hay que matar al que inventó la Feria de las Colectividades
04 - Marcha Peronista (track ¿oculto?)
05 - People go away
06 - Las muecas de Cafrune
07 - El travesti más feroz
08 - Aturdido por los pijazos
09 - La terrible muerte de Tu Sam
10 - Trampolín a la obesidad
11 - Gracias Pesquera
12 - Wichu Wichu
13 - Las manos
14 - Las huestes del metal (bonus track)

Mezclado por Mario Luna y Luis Beretta
Masterizado por Eduardo Raillón
Editado por Bass*Tard Co.
Rosario - Argentina

2004-05-20T19:35:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Chichines y Francisco Bochatón en El Sótano el 15 de mayo del 2004

El sábado 15 de Mayo se presentaron en El Sótano la banda Chichines (Rosario) y Francisco Bochatón (La Plata - Buenos Aires). Un público cercano a las 100 personas venció el frío y se dispuso a ver de qué iba la noche.
Alrededor de las 00:45 hs. arrancó Chichines con nueva formación. La banda ¿pop? que lidera Matías Barrera se transformó en power trío. Con apenas el sostén de unas imperceptibles pistas pregrabadas (¡casi todos están apelando
a este recurso en vivo!) Chichines transformó sus delicadas melodías en nervio crispado. La batería primaria y enérgica de Damián Barrera, las líneas de bajo siempre interesantes de Juanjo Caporali y, la novedad, una guitarra distorsionada y bien rockera con solos un tanto "raros" para esas canciones.
Una propuesta arriesgada para los que conocen su último E.P. y el color más bien cálido de sus canciones, que incluían hasta aires de bossa nova.
Chichines es una banda que está pasando un buen momento creativo: los estrenos de la noche muestran nivel y madurez compositiva.
La única duda surge precisamente del cambio de rumbo. El sonido más rockero ¿tendrá que ver con deserciones o cambios en la banda? Han quedado sin coros, sin teclados, sin vientos, sin otra guitarra. Quizás la formación esté llevando a Chichines para otro lado. ¿O será cierta conducta culposa -e inexplicable- que tienen algunos amantes del pop, que los lleva en algún momento a sacar chapa de rockero? Espero que Chichines siga haciendo lo que sabe hacer: canciones redonditas, buenas melodías, buenas letras. Un pop que goza de muy buena salud.
Minutos más tarde Francisco Bochatón apareció en escena con una guitarra acústica y sus tres acompañantes. Después de la segunda canción, pasado el tiempo que tarda cualquier banda en acomodarse, ya no había dudas: ¡qué desprolija suena la banda de Bochatón! ¡Cuánto desorden arriba del escenario!. Los instrumentos no estuvieron afinados más de 5 minutos seguidos. Lo que se dice todo un caos.
A favor de Bochatón hay muchos factores. Su permanente buena onda: no se la cree, es simpático, dialoga con sus fans sin montar ninguna pose.
Tiene canciones que son bellísimas. Fue el creador de Peligrosos Gorriones cuyo primer disco está (para mí, claro) entre los diez o quince imprescidibles del rock nacional. No se enoja si le piden temas de esa época (tocó una versión power de "Siempre acampa" que el público agradeció infinitamente). Es dueño de una lírica bien personal. Y su carrera solista (cuatro discos) es bien digna.
Ahora bien, la banda no está a la altura de estas circunstancias.
Las desprolijidades fueron infinitas, y si el espéctaculo fue divertido se debió sólo a lo dicho más arriba. En la prueba de sonido Bochatón se accidentó y hasta tuvo que ir a un hospital donde le vendaron la muñeca derecha; la guitarra se desconectó y hubo un momento en que el show fue el unplugged más literal que he escuchado (nunca más volvió a sonar); una vez que se desafinó la guitarra no hubo manera de afinarla; hizo temas "a la carta" casi sin avisarle a su banda. Cosas que una banda de "afuera" no puede permitirse.
Según parece -lamentablemente- es el estado actual de su proyecto: en Marzo actuó en Niceto (el conocido boliche de Palermo Viejo) y el show fue exactamente igual de desprolijo según dicen.
Canciones como "El gorila", "El candado", "Pastilas celestes" o "Mundo de acción" están tan bien construidas que merecen un mejor destino que el que les toca por estos días.

2004-05-05T11:53:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Estelares en Sala Lavardén el 29 de abril del 2004
El jueves 29 de abril se presentó en la Sala Lavardén el grupo platense Estelares, con la participación de dos bandas de Rosario: Puerto Maluco y Degradé. Ante un público de poco más de 100 personas, el recital comenzó con Puerto Maluco: un grupo de pop rock que suena ajustado y correcto pero que tiene cierto color que remite a otras épocas. La voz del cantante (afinada y casi siempre exasperada) suena muy cercana al pop rosarino de fines de la década del '80 y principios de los '90 (¿Grafitti?, ¿Identi-Kit?). La mayoría de las canciones son gritadas antes que cantadas: falta -sobre todo- confianza y vuelo en las melodías. "Buscando sombras en la oscuridad" dista mucho de ser un hit, aunque lo pretendan. Una banda por ahora nada más que correcta y que, estoy seguro, tendrá mejores noches.
Cuando todo el público esperaba la actuación de Degradé, en el escenario se presentó Estelares con el liderazgo de Manuel Moretti. La idea de traer una banda de "afuera" para telonear a una banda de acá no es mala: ya lo habían hecho, entre otros, la gente de The Bareth Sessions cuando trajeron a Santos Inocentes. ¿Por qué no? Es otra forma -válida también- de organizar los shows compartidos.
Estelares, con disco nuevo bajo el brazo, en sólo una hora demostró todo lo que puede. Y puede mucho. La banda sonó potente e íntima a la vez. Tiene canciones de esas que funcionan bien con una guitarra criolla o con una banda de rock and roll. Porque a no dudarlo: Estelares en el escenario es una banda de rock and roll bien bien clásico. Y cuando hablo de clásico hablo de Neil Young, de Tom Petty: dos guitarras, bajo y batería. Canciones despojadas, con el aire tan tanguero como inevitable del cantante y finales abruptos (¡Las canciones terminan cuando tienen que terminar! ¿No es increíble?).
Dejándome llevar por la libre asociación, la voz de Moretti se emparenta con las voces de Juan Pablo Fernández o Guillermo Pesoa de Pequeña Orquesta Reincidentes. Pero mientras éstos se alejan deliberadamente del rock y se meten en el tango o el folklore del este europeo, Estelares -lo repito- es una banda de rock. Y tan natural que pueden cerrar el show con "Pronta entrega" de Virus y "estelarizarla", llevarla para su mundo y hacerla suya.
Otro factor que aporta mucho en el escenario es la personalidad de Manuel Moretti. Un tipo tímido que juega a ser más tímido aún y que se permite, desde esa timidez, bromear con un público amable y agradecido. Cuando pidieron una canción de un disco de hace años, aclaró que "el contrato discográfico con Warner no nos permite tocar viejas canciones y debemos centrarnos sólo en el nuevo disco". Como pocos se rieron y la mayoría puso cara de no entender tuvo -fatalmente- que aclarar: "ey, lo que dije fue un chiste". Y, por suerte para los que las conocían y para los que no las conocíamos, nos regaló canciones de otros discos, que ahora iremos tratando de conseguir.
Es reconfortante ver que en el mundo del rock & pop surgen nuevas posibilidades, nuevas canciones y nuevas formas de cantar las viejas canciones. La noche no había sido en vano: Estelares tendría su lugar entre nuestros discos y recuerdos de buenos recitales.
Que me disculpe Degradé, al que ví varias veces en la ciudad de Rosario en los últimos meses. Quería ir a mi casa silbando las canciones de Estelares y a ver si por la mañana en alguna disquería me regalo "Ardimos", su último disco.

2004-03-20T21:00:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Turf en Rosario el 6 de marzo del 2004

El sábado 6 de marzo Turf se presentó en un boliche de la costa. A pesar de la lluvia terrible y de que el lugar es una carpa (sofisticada pero carpa al fin) hubo una concurrencia bastante importante entre gente que iba a verlos y gente que sólo iba a bailar.
En primer lugar el show comenzó con Tiago Galíndez y su banda como teloneros, para dejar paso al grupo que solía frecuentar San Isidro y un concierto breve pero enérgico. 11 canciones donde se alternaron los hits como "Loco", "Cuatro personalidades", "Yo no me caso" que corearon todos y otros no tan populares como "Vil metal", "Mambo", "Casanova", "Crónica", "No necesito". Canciones que no son perfectas desconocidas, es cierto, pero que levante la mano el que se sabe la letra de alguna de éstas.
Bien ¿a qué viene esto? A que el show estuvo organizado por pares. Las canciones se enganchaban de a dos, poniendo en primer lugar la más conocida y enganchada en segundo lugar otra canción menos famosa. Me explico mejor: "Loco" se enganchaba a "Mambo". El público coreaba y saltaba con la letra de "Loco" ... loco un poco nada más, casi parecés normal ... y pegadita se venía "Mambo" ... y a ver quién se sabe ésta!!!!! Ese permanente saltar/dejar de saltar, cantar/dejar de cantar fue la constante de la noche y no tendría nada de particular (¿en que otra cosa consiste la conducta de un público "normal" si no es en esa alternancia) si no fuera porque Joaquín Levinton se pusiera de mal humor con esto.
Vamos por parte. Turf es un grupo que suena bien en vivo, Joaquín Levingston es un tipo que maneja bien el recital, los hits que tienen han llegado a ese lugar en muy buena ley. Por eso extraña tanto esa cosa tan poco profesional de enojarse con el público por no seguir con el mismo entusiasmo sus hits y sus otras canciones. Extraña que no conozca las reglas de la industria de la música: la gente se comporta de esa manera con Sandro, Britney Spears, Babasónicos, Charly García y Frank Sinatra. Un hit es un hit y una canción es una canción, verdad demasiado obvia pero que Turf se la olvidó esa noche. Como consecuencia de ese enojo quedaron varias adolescentes esperando a Joaquín para conseguir un autógrafo. Y Joaquín no salió.
Otro pifie de la noche fue el de tocar (y empeorar) un tema -de los que casi son hit- como "Crónica". Lo convirtieron en un artefacto extraño, poco pegadizo, pretencioso y demasiado prolongado.
El recital terminó con bronca por parte de los músicos y con fiesta por parte del público que supo disfrutar de las canciones que quería escuchar y supo respetar las que apenas conocía.
Turf suena como tiene que sonar, los músicos hacen bien las cosas, Joaquín Levinton canta bien a su manera y tiene carisma, tienen buenas canciones. Tienen todo para seguir posicionándose como una banda pop importante. Quizás haya sido una mala noche, quizás todavía quede recorrer un buen camino para poder quejarse "legítimamente" de sus fans que por ahora no son tantos pero que pueden ser más o quizás menos.

2004-03-11T18:05:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Molotov en Playa Nativo (Santa Fe) el pasado 19-02-04

El jueves pasado tocó Molotov en Playa Nativo de la ciudad de Santa Fe. El lugar era ideal, al lado de la laguna Setúbal, el tiempo acompañando como si hubiera sido sobornado. Una banda entrerriana preparó los ánimos para lo que minutos después iba a ser una fiesta.
La banda mexicana viene de arrasar con los MTV Video Music Awards, un Grammy (a pesar de la decepción expresada en los medios) y de robarse una de las noches del Cosquín Rock. Un buen momento para Molotov que supo llegar a estar presente en el programa del ultrafamoso Howard Stern y hasta tocar en la ex-Unión Soviética
De entrada se notó que la gente y los músicos estaban conectados. Una fiesta manejada por el carisma de la banda y un sonido poderoso sostenido por los dos bajos (que mereció una nota en la especializada "Bass Player"), una guitarra que por momentos suena como bandeja de DJ, una batería contundente y algunas pistas pregrabadas bien disimuladas que realzan el poder de la banda. La mayoría de las canciones, como era de esperarse, pertenecieron a su primer disco ("¿Dónde jugarán las niñas?" del 97) y el nuevo ("Dance and dense denso" del 2003).
Los giros idiomáticos de los mexicanos (ese color por el que Santaolalla los apadrinó) fueron entendidos y aplaudidos por todos. Todos "chingaron" a Menem, todos festejaron las "pedorreras" de las chicas y todos insultaron a Maná. Todos gritaron "Viva méxico, cabrones" y Molotov devolvió la gentileza con un "que viva el power argentino". Arriba del escenario todos cantaron y todos pasaron por todos los instrumentos. Ninguna pelea por el estrellato.
Las canciones preferidas del público fueron "Gimme the power" y su secuela "Hit me", "Voto latino", "Cerdo", "Más vale Cholo", "Here we kum", "Changüich A La Chichona"y "Frijolero". Aunque la estrella de la noche fue "Puto", que como bien señalaba un periodista de Página 12 es una canción a la que ya a nadie se le ocurre atribuirle homofobia. Otro momento crucial de la noche fue la convocatoria a chicas del público antes de cantar "Rastamandita". Se las invitó a mostrar "algo" al público y las chicas dieron más de lo que se les pedía y una terminó mostrando los pechos al aire mientras todos festejaban. "No se ni me importa con quien te hayas metido pero ese culo parece radioactivo" cantaba la gente.
Chabacana la cosa. Pueril, sí (¿cómo negarlo?) pero divertida y aplastante. Baile, fiesta, catarsis, pogo, grito. Todo bien. Los Molotov saben hacer fiesta, divertirnos, sonar bien, ser inteligentes y ser tontos al mismo tiempo. Molotov volvió a encontrase con el sonido que todos desean, el power mexicano de letras que oscilan entre la protesta y el absurdo, el de canciones que inevitablemente nos llevan a saltar y a gritar: Que viva México, cabrones !!!!!

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:38:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Desert y The Bareth Sessions en La García el 14-02-04
La del sábado en La García fue una noche que tuvo dos partes bien delimitadas. Una banda más de covers de Oasis y una banda rosarina de trip-hop (o al menos eso creo yo que hacen)

El show empezó con Desert, devotos fans de los hermanos Gallagher (de Manchester) que hace diez años iban a comerse al mundo. No lo hicieron. En cambio dejaron una serie de buenas canciones desparramadas en unos 5 o 6 discos más bien desparejos. Marcaron el regreso (esta vez) de la guitarra "british pop" al tope de los rankings como The Beatles, The Kinks o T. Rex (aquellas veces).
Los rosarinos Desert aman a Oasis pero no se les nota. Quiero decir: sonaron muy desajustados y bastante desafinados. Toman de su banda lo peor: su peinado (pero seguro que odian a Mambrú si uno les pregunta), su ausencia de onda (como que tocan de favor, pero uno pagó los $5 en la entrada) y varios etcéteras.
¿Por qué hay tantas bandas de covers de Oasis? Es una pregunta de la curiosidad más ingenua que puedan imaginar. ¿Por qué? Yo creo que pronto van a poder formar un sindicato propio. Aunque sé que no se quieren mucho entre ellas. La verdad que el amor a una banda implica cierto respeto a ésta y me parece que sonar bien sería un buen principio.
De todas maneras no entiendo mucho a las bandas de covers. ¿Cómo explicar que The Beats (banda de covers de Los Beatles) saque un disco "propio" con canciones de The Beatles? ¿Alguien puede preferir "Love me do" tocada por sus seguidores argentinos antes que por los cuatro muchachos de Liverpool más famosos del pop mundial?
Será cuestión de ver otra vez "Spinal Tap" (de Rob Reiner) o al menos "Rock Star" (de Stephen Herek) para ver si allí hay alguna respuesta o si algún lector de esta nota me la hace llegar.
La espero.

La segunda parte del show estuvo a cargo de The Bareth Sessions. Un buen grupo de trip-hop en la línea de Massive Attack, Portishead, Goldfrapp u Orbital (todos de Inglaterra) pasando por un momento importante: vienen de un 2003 con escenarios compartidos con Santos Inocentes, Willy Crook o Dante Spinetta.
Con un muy buen equipamiento, los seis integrantes de Bareth dieron un show enérgico saliendo a respaldar y vender su nuevo cd "Gelatin World" (distribuido nada menos que por Emi). Sus conciertos oscilan entre el ambient glomoroso y momentos de explosión. Siempre con un sonido profesional y sus melodías difusas tan típicas de ellos.
Lo mejor es su puesta en escena y eso tan noble de dejar todo ahí arriba. Se ponen nombres británicos (está bien: sí, eso es un punto débil) pero salen a jugarse la camiseta en ese gesto. Y bien que la transpiran.
Otra a favor son el destacado soporte que llevan bajo y batería (¡¡¡¡que groove!!!!) y los delirios minimalistas del guitarrista.
Lo más flojo es la posición "escondida" en que queda la cantante: Josefina (no puedo llamarla Joss). Hay ahí un excesivo e injustificado protagonismo de Francisco (lo de Fran no me va) que opaca un poco el despliegue de la voz del grupo. Supongo que es sólo una cuestión de una mejor ubicación sobre el escenario y subir el volumen de la voz.
El otro punto punto flojo es un rebote de una buena intención. The Bareth Sessions pone su horizonte bien arriba y se arriesga. Trata de diferenciarse de la chatura de muchas bandas rosarinas. El problema es que a veces no les da. Puntualizo: habían alquilado una pantalla gigante donde iban a pasar "alucinancias" según comentaron al Diario La Capital el mismo día.
Las pretenciosas "alucinancias" no eran otra cosa que los fondos que el Windows Media Player (o su versión para Mac) nos muestra mientras escuchamos música en nuestras computadoras. También quisieron pasar un video clip que salió al aire sin sonido y los dejó muy mal parados. De todas maneras muestra a una banda interesada en ofrecer más que lo que ofrecen las otras y estos detalles que ofrezco irán desapareciendo al mismo tiempo que el público irá dando cabida a esta música.

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:36:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Coki De Bernardis en El Sótano el 11-12-03

La pregunta que trato, inútilmente, de responder es: ¿la originalidad es un valor importante en la música? ¿Es sólo otro factor más? ¿Lo define todo? ¿Existe? ¿Es posible? No me siento capacitado para responder a estas preguntas pero son cuestiones que se presentan al tratar de hablar del show que Coki De Bernardis dió el viernes pasado en El Sótano.
"White Stripes, White Stripes, White Stripes" es lo que sonó esa noche en la cabeza de cualquier persona que conozca a esta banda de Detroit, que toca sin bajista, que tienen un disco ("De Stijl") donde aparecen con ropa blanca (suelen hacerlo: alternan únicamente entre el rojo y el blanco), donde toca la batería una mujer (Meg White), de un toque agresivo, tosco y preciso.
Ahora bien: debo decir que Coki toca sin bajista, toda la banda se viste de blanco, toca la batería una mujer (Emiliana Arias) con un toque agresivo, tosco y preciso.
Sin poder responder -y responderme- sobre la cuestión de la originalidad es preciso admitir -y festejar- que la banda suena con una potencia abrumadora. La ausencia de bajo no perjudica a las canciones que, por ahí, recuperan lo que podría llegar a perderse con un antídoto a base de volumen y golpe. La presencia de Coki es fuerte: él se hace cargo del escenario y su banda lo acompaña bien. Además, ¿quién se anima a negarlo? Coki suele hacer buenas melodías cuando quiere olvidarse un poco de esas estrofas habladas a la Lou Reed y el público se prendió en los buenos momentos cantando a coro las letras. Juan Acuña (primera guitarra) fue contundente. Exagerado, sí, pero contundente, y sus solos y riffs fueron un plato fuerte de la noche.
Otra cuestión fue que una parte del público llegó a El Sótano con una esperanza y se volvió con una decepción. Era un secreto a voces que Fito Páez iba a aparecer en algún momento. Rumor alimentado por la presencia de Fito en Rosario. La gente tuvo que contentarse con la aparición en el escenario de Vandera y Bonzo Morelli. No es culpa de Coki.
Lo que se vivió en El Sótano fue una buena noche de rock & pop, con temas clásicos (no tan deformados o arruinados como Coki suele hacer) y temas de su nuevo disco aún en preparación ("Perdida").
La cuestión de la originalidad es para rumiarla un poco más. Después de todo: ¿Charly no le roba mucho a Marilyn Manson? ¿White Stripes no tiene mucho de The Kinks? ¿Existe un grupo, en algún punto de la historia, que no esté influido por alguien? En Coki hay una cuestión que no logro develar que oscila entre el exceso, la pose, el chiste, la jerga, la copia, el snobismo. Coki se me escapa: va delante mío. Y siempre haciendo buena música: ¿importa algo más que eso?

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:32:00.000-03:00

Nota sobre Pequeña Orquesta Reincidentes en El Sótano el 16-11-03

El estilo es una forma de apropiarse del mundo. Es hacer que el mundo pase por la propia lente deformante y hable todo el tiempo de uno. Y una noche de canciones con un estilo muy propio fue lo que se vivió el pasado viernes en El Sótano.Todas las influencias que tiene la Pequeña Orquesta Reincidentes (P.O.R.) y que son muchas: Mariano Mores, La Portuaria, Emir Kusturica & No Smoking Orchestra, las milongas de Angel Villoldo, Tom Waits, el folklore de Europa del Este, Los Visitantes, Nick Cave, las canciones de Kurt Weill, Crime & the City Solution (y la lista podría seguir) no pudieron opacar el color que es sello de la P.O.R. Incluso cantan tres de los cinco músicos y ni el cambio de cantante puede eclipsar el estilo.
Un estilo áspero, entrecortado, ¿tanguero?: nada de sonidos con "sustain" que sirvan de sostén. El esqueleto de cada canción está ahí, es palpable. Y no hay ningún miedo al silencio, a bajar el volumen ni a levantarlo. Se susurra y se grita.
Un estilo de muchos timbres. Los músicos tocan varios instrumentos. Contrabajo, tuba, mandolina, serrucho, banjo, guitarra, acordeón, piano, y sigue ...
Lo que más llama la atención de P.O.R. es justamente eso: mantienen la voz propia en medio de la diversidad. Cambian de influencias, de instrumentos, de cantantes y bastan dos acordes de una canción para saber quiénes son. Pueden o no gustar pero tener una voz en el vasto mundo rockero no es poca cosa.
Presentaron su último disco "Miguita de Pan" que es impecable y muestra a la banda en un buen momento después de 10 años juntos y después de superar los problemas con la compañía discográfica (este año hasta Fito Páez tuvo que lanzar su disco de forma idependiente) que los decidió a jugarse por la suya. Tanto la presencia de la banda sobre el escenario con sus trajes oscuros y camisas blancas, como el arte de tapa de su cd, como la manufactura de cada canción (nunca "manufactura" estuvo tan bien empleado) hacen de la P.O.R. un proyecto estético serio.
Varios medios señalan que si bien las letras de la P.O.R. son oscuras y cercanas al bajón lo que pasa en los recitales es otra cosa. Y es cierto, fue otra cosa lo que se vivió en el Sótano. Estaba desbordado de gente que vivió una fiesta. Y que espera que reincidan una y otra vez en ese estilo que tantas satisfacciones nos da.

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:28:00.000-03:00

Nota sobre La Vaca de Muchos Colores en La García el 07-11-03

El sábado pasado se presentaron en García dos bandas: Cicarios (sic) y La Vaca de Muchos Colores.
La propuesta de la gente de Cicarios (de la zona sur de Rosario) se basó en el rock que la prensa porteña suele llamar "barrial". Influencias de Los Piojos (sobre todo en la voz y algunas melodías), la mística de Sumo (en la primera guitarra y su obvia remera) y la cosa esa de que "estamos tocando para los amigos del barrio". Igual, nobleza obliga, la banda sonó muy bien y ajustada, y después de todo ¿quién no tiene influencias? Por lo pronto, Cicarios mostró algunas canciones que nada deben envidiarle a las que sus grupos preferidos convirtieron en hits. ¿Cuántos grupos de Rosario están sonando realmente bien y tiene buenas canciones que merecerían ser difundidos por medios importantes? Lo que se ve últimamente es que no hay un circuito al nivel de lo que dan muchos músicos rosarinos.
Lo repito, no me convence el estilo de Cicarios pero eso no importa: a todos no nos gusta lo mismo; lo que es indudable que tienen un sonido muy pulido y un par de canciones que merecen mucho más de lo que ellos mismos creen.
La actuación de La Vaca de Muchos Colores fue en muchos sentidos la contracara de Cicarios. De entrada hubo una apuesta mayor a la presentación escénica de su propuesta. Desde un pizarrón en la puerta "fileteado" con el nombre de la banda a manera de carnicería de barrio y una cabeza de vaca en el escenario que creaba un clima acorde a la banda. También un mayor "profesionalismo" en sus músicos que no hacían tantos guiños con el público porque tocaban para todos y no para los amigos del barrio. Y si bien hubo problemas de sonido, para el bajista, La Vaca supo sortearlos y fue compacta.
La contracara mala es que es un grupo al que le faltan buenas melodías (aunque las letras de lo más interesantes). Lo de La Vaca es una propuesta más freak, si se quiere: más "arriesgada", pero este cronista sospecha de ciertos riesgos: por lo general suelen tapar ciertas incapacidades a la hora de dar buenas canciones. Lo alternativo (palabra tan bastardeada por los canales de video que ya suena vacía en la boca) tiene un límite imperceptible con la confusión de ideas para hacer una canción. Para mi gusto es una propuesta "under" (otra palabra que ...) que me lleva a pensar que ese es el lugar buscado por la Vaca para sí, para echarse y dormitar un sueño de pastos apenas verdes.

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:26:00.000-03:00

Nota sobre Coyote y Rey Homero en La García el 12-10-04

El pasado jueves 9 de octubre actuaron dos bandas rosarinas en La García: Coyote y Rey Homero.
La noche arrancó con Coyote, banda de 5 integrantes cuya suma de edades no llegan a 60 años. Hablo de adolescentes. Hablo de una banda que está creciendo y que se identifica con Intoxicados, Viejas Locas, La 25 y Charly García (aunque este último nombre no sirva para dar coherencia a esa serie de bandas, porque su nombre –claro- es demasiado grande y, además, su invocación fue un giro extraño en la propuesta de la banda).
La banda suena, y eso a esa edad es más que suficiente. Buen principio. El espectáculo fue coherente mientras se mantuvieron con las versiones de sus bandas admiradas. Incluso cuando mostraron sus propios temas (creo que dos) el sonido estuvo en sintonía con esas influencias. Las dos guitarras se complementaban con eficiencia mientras bajo y batería armaban una buena base. El cantante estrenaba su voz áspera y le quedaba bien, aunque uno no podía dejar de preguntarse si a los 20 le quedaría algo de voz si seguía cantando así.
El punto de inflexión (e inflexión para abajo) fue cuando uno de los guitarristas pasó al piano y arrojó una versión de “Seminare” con una desprolijidad que le sienta bien al rock de Intoxicados pero no a esa hermosa y recurrida balada de Charly García. Incluso el “potpourri” final con una visita a vuelo de pájaro por “Promesas sobre el bidet” sonó pretencioso y desleído.
Me quedo con el Coyote de la primera parte, el que se mete en cosas simples y sale bien parado de la apuesta. El que es efectivo y que tiene mucho por delante.
Pasada poco más de una hora –lo que duró la actuación de la primera banda- empezó la segunda propuesta de la noche: Rey Homero. Estaban de estreno: Alejandro Quintana se hacía cargo de la voz por primera vez. Una voz que supo ser ajustada y afinada pero también catártica cuando gritaba. Cada uno de los músicos se mostró solvente y eficaz. Con solos de guitarra con mucha onda, y el sostén de dos excelentes baterista y bajista.
Las influencias que se dejaban ver en los covers –que fueron varios- iban de Stone Temple Pilots a Deftones, pasando por Soda Stereo (en una interesante versión de “Fue”). Sus canciones hablaban de esas influencias pero con color propio. La banda se está rearmando y me gustaría escucharla de acá a unos meses porque amenaza con ofrecer un power rock bien poderoso.
En esos meses de trabajo por delante quizás quede atrás el excesivo uso de un recurso: todos los finales eran del tipo “tutun tracu tutum trutum tumtracu tracu –¿nos miramos todos?- pummmmmmmm”. Se sabe, la actuación en vivo tiene “ese que sé yo” pero los finales imaginativos no vienen mal, sobre todo cuando la propuesta es tan interesante.
La del jueves pasado, en resumen, fue una buena noche. Con dos propuestas distintas de distintas generaciones pero que alimentan la esperanza de que en Rosario se puede hacer música y música buena.

Marcelo Rossia

2004-03-05T04:23:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Luis Alberto Spinetta en el Teatro El Círculo el 05-10-04

Una de las definiciones más clásicas de la palabra "poder" es que es aquello que nos permite hacer impunemente cualquier cosa. Y de poder estamos hablando cuando pensamos en lo que fue el recital de Luis Alberto Spinetta el sábado pasado en el teatro El Círculo. Poder que se lo confiere la mayoría de la gente admirándolo de manera desmedida y casi irreal. Poder que él utiliza para ser un excéntrico: por ejemplo presentar su nuevo disco -"Para los árboles"- en el mismo orden que fue editado, sin ceder casi ningún clásico y pararse al fondo del escenario detrás de los demás músicos.
Esa gente alimenta su poder con una postura inquietante: Spinetta recibe halagos antes de tocar y este cronista empieza a creer que él puede llegar a hacer cualquier cosa sobre el escenario y que su público de fieles va a aplaudirlo, alabarlo, adorarlo igual. Es un músico poderoso y por lo tanto impune.
La cuestión pasa por qué uso hace de ese poder. Y aquí es donde sale favorecido frente a no tantos otros músicos "poderosos" que hay y que hacen cosas de poca calidad -sobre todo en vivo- amparados en su impunidad. Lo que hace respetable a Spinetta es que usa esa impunidad para darnos lo que un músico debe dar: música. La ventaja que le da la incondicionalidad de su público es que la aprovecha para tratar de alcanzar altísimos niveles de perfección instrumental (su banda es ajustadísima y con una autonomía de vuelo inaudita en el rock & pop).
El recital comenzó con "Prometeme el paraíso", siguió con "Oh! magnolia" y "El mar es de llanto" donde la banda se permitió soltarse un poco con solos de casi todos los integrantes. Estas tres canciones funcionaron de prólogo para presentar (literalmente) su último disco track por track. El sonido logrado por la banda (Claudio Cardone - Pianos y teclados, Javier Malosetti - Bajo y coros, Daniel Wirzt - Batería, Rafael Camotto - Guitarra y Nico Cota - Percusión y coros) fue muy cercano al del cd. Hubo un poco más de calor en vivo con "Halo lunar" y "Agua de la miseria" pero ahí nomás. Era el cd. Con lo bueno y lo malo de esa elección. Lo inobjetable es que la banda era de una solidez demoledora. Todos músicos de larga tradición y, encima, pasando por un buen momento. Javier Malosetti brilló por el calor que le demostró el público en cada una de sus intervenciones. Si Spinetta es considerado un dios, Malosetti bien puede ser cualquier otra deidad, aplausómetro mediante.
Luego de la literal presentación ofreció un par de canciones que eran antes que nada una concesión al público: una liviana versión del tema de Fito Páez "Las cosas tienen movimiento" (la de Baglietto sonaba más adecuada), a la que siguieron "Tonta luz", "Nelly" y "Paraíso". Hubo un bis "demagógico" con "Me gusta ese tajo" en una versión que le quedaba mejor a su formación de trío que a esta banda de notables. Es que la propuesta de Spinetta era hacer valer lo que es su ahora y aquí. Defender su último trabajo y mostrar que aún es capaz de hacer MÚSICA (sí, con mayúsculas).
Luis Alberto Spinetta es un músico poderoso e impune. Por suerte para nosotros, es como esos reyes de los cuentos de niños que utilizan ese poder para "hacer el bien", que traducido a estos fines no es otra cosa que hacer música de la mejor manera posible.

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:21:00.000-03:00

Nota sobre la actuación de Palo Pandolfo en El Sótano el 30-08-03

Después de escuchar los climas extraños de La Banda Internazionale del Lavoro (grupo soporte) con sus temas sólidos y muy bien tocados, pero excesivamente cambiantes según palabras del propio guitarrista, todo está preparado para escuchar a Palo Pandolfo y La Fuerza Suave.
De entrada se nota la cercanía entre público y artista. Las doscientas personas que esperan en El Sótano el viernes cerca de las 3 lo vitorean con cariño. Y Palo Pandolfo agradece e insiste que ahí arriba está La Fuerza Suave con Mariano Bairnes en bajo fretless, Mariano Mieres en guitarra eléctrica y Javier Foppiano en batería.
Los primeros temas fueron de su próximo disco (Intuición) y a pesar de ser desconocidos sonaron familiares. Es que Pandolfo tiene ese sello tan personal que puede imprimirle a cada canción. Pasar de un candombe, a un tango, a una chacarera, a un reggae, a una tarantela con naturalidad. No son "postales" sonoras. Se mete en los estilos y los ocupa sin sonar como "turista" ahí dentro. El género no pierde y su estilo no pierde: una ecuación perfecta. Hasta cuando cantó el viejo clásico de Los Abuelos de la Nada "Tristezas de la ciudad" (del guitarrista Gringui Herrera) tenía sabor a clásico y a Palo a la vez.
El único defecto debe achacarse al sonido del lugar que no nos dejaba entender casi nada de lo que cantaba. Y tratándose de un compositor como Palo Pandolfo (con toda su filosofía sobre la "letra útil" y sus posturas de compromiso poético, un libro de poesía publicado con su esposa, su participación en el grupo Los Verbonautas) nos lleva a pensar que nos perdimos la mitad del recital. Presentó una nueva canción llamada "Argentina 2001" que parecía decir algo de la bronca popular pero eso, sospecho, lo intuyo y no estoy seguro de haberlo escuchado.
Por suerte la banda se entendía arriba del escenario y la gente empezaba a prenderse y a bailar. Y a cantar los temas que se sabían. Por eso pudo haber fiesta y bien que la hubo. Tanto que Palo Pandolfo y La Fuerza Suave salieron para el bis e hicieron 5 canciones más con un público respetuoso y poco solemne. Como corresponde a los casi excesos de Palo Pandolfo y su música. Una noche caliente ahí adentro.
Una pregunta de ansioso: ¿para cuando el disco?

MARCELO ROSSIA

2004-03-05T04:17:00.000-03:00

Nota sobe la actuación de Juana La Loca en Federico T el 25-08-03

Los primeros acordes de "Perdí la fe" y se nota: Juana La Loca suena como una aplanadora del pop. Potentes, efectivos. Rodrigo Martín canta y se para en el escenario con la seguridad que le dan los años de trayectoria de la banda. Las guitarras de Guerrisi y Gómez se florean, nada de primera y segunda viola: "vos rasgueá que yo punteo", no, acá es otra cosa. La influencia es Television, Talking Heads y la psicodelia de The Pixies.
La que se autodenominó la primera banda "sónica" del país (posta levantada por los Babasónicos, compañeros de conciertos en muchas oportunidades) empezó a tocar en la madrugada del sábado con otro sonido, más emparentado con el power pop. Juana La Loca no tiene DJ ni tecladista con lo que las canciones resultan más ásperas de lo que uno podría esperar. Pero el resultado es demoledor. "Angelical", "Rescatame", "Si pudieras", "Tu diversión" suenan mejor que en el disco, lo que es mucho decir.
Promediando el recital se escuchan algunas pistas grabadas con (ahora sí) ese toque "sónico" y lo que venía siendo ajustadísimo mejora aún más. La banda da todo de sí y Rodrigo Martín, hiperkinético y enérgico, canta enfervorizado. "Felicidad". Reversiona "Ella come limones", el único tema que hizo de aquel disco del ´93 ("Electronauta") y de aquella época. Y se nota, la banda en todo este tiempo ha sumado. Atravesó todos los problemas del desbande, nueva formación y salió ilesa. Hay momentos en que las pistas grabadas desaparecen y la banda mantiene con tracción a sangre ese toque "sónico". Podían ser tan versátiles como para sonar de diferenes modos.
"Ahogados", "El vicio", "Agujeros negros", "Vida circular" y "Viernes". El recital termina y no se escuchó el hit del grupo "Sábado a la noche". Lo que no estaba nada mal. Juana puede cometer la locura de no tocar su hit ... ¿por qué no? El recital igual había sido impecable.
Pero, nobleza obliga, después de que el público cumpliera con el rito del "otra!!! otra!!!", ellos cumplieron con el rito de darnos otra y hacernos escuchar una vez más su hit.
"Sábado a la noche", un regalo para nosotros que nos iríamos tarareando esa melodía hasta nuestras casas.

2004-03-05T04:13:00.000-03:00

Nota sobre el show de Alfredo Casero en el Tetaro La Comedia el 22-08-03

La improvisación, llevada al punto extremo, es la virtud y el defecto de Alfredo Casero. Es capaz de aprovechar cualquier defecto técnico (que no faltaron) o falta de entendimiento con los iluminadores y sonidistas y convertirlo en sketch, en gag, en risa. Pero también ese mecanismo lleva en sus ganancias las de perder: por momentos cae en pozos y no pasa nada y hay que esperar que el actor se "inspire" y se tope otra vez con el gag.
Todo, absolutamente todo, se aprovecha para generar humor. Anécdotas, recomendaciones de películas, historias de viajes, chistes viejos, viejos sketchs y viejos personajes de "Cha Cha Cha", el relato del traslado en Kombi desde Buenos Aires a Rosario. El espectáculo es lo que más se parece a tener al Gordo Casero en el living de nuestras casas haciéndonos c... de risa. Es más, el decorado da por completo con esa imagen. Es el perfecto living de un programa de cable o el promedio de todos nuestros livings. Es el lugar que él elige para ubicarse y ahí se siente cómodo: se le nota.
No crítico el método, no soy quien para hacerlo ni creo que se justifique. Se trata de hacernos reir y si nos reimos está todo bien. Sucede que a veces no nos reímos y lo vemos rebuscar y rebuscar sin encontrar. Igual, mucha gente se ríe y le festeja cada mueca. Es el Gordo Casero, el de Cha Cha Cha. Pero el espectáculo deambula entre el desparpajo y el desbande. Busca un lugar pero le cuesta encontrarlo.
Alakrán apoya desde sus personajes más cerrados y tal vez previsibles pero efectivos, lo que a cierta altura de la noche sirvió -y mucho- para encausar el derroche de energía de Casero y, de paso, hacernos reir también.
Una reflexión para terminar. En los últimos espectáculos que han venido desde Buenos Aires siempre se habla de volver a Rosario pero -y esta vez es en serio- con el "espectáculo completo" ... pero ¿cómo? ¿la gente no pagó por el "espectáculo completo"? El precio ¿no era de "espectáculo completo"?

2004-03-05T03:53:00.000-03:00

Nota sobre el show de Antonio Biravent en Mei el 9-08-03
"Hoy vinimos acústicos, íntimos, y a defender la canción". Esta fue la frase que, promediando el concierto, usó Antonio Birabent para definir su show en Mei este sábado. Y era necesario que se dijera algo al respecto. Birabent vino a Rosario a presentar un disco muy bien producido (con un sonido "moderno", influencias de Massive Attack, Ceratti -que participa-, Portishead) con solo tres guitarras acústicas.
Había dos opciones: o era una manera de disimular problemas "presupuestarios" o se buscaba la esencia de la canción. Elijo la segunda pero ¿quién dice que no me equivoco?
El show abrió con una versión folk de "Aminoácidos" que se bancó la ausencia de las guitarras distorsionadas y la velocidad que la cubren en el disco. Siguió con "Me fui con ella" y "Curvas", las dos guitarras que tocaban en ese momento (más tarde se incorporaría la tercera) hacían lo mismo: rasgaban como si estuviesen en una reunión de amigos. Tenía su encanto y apuntaba a desnudar la canción cada vez más. Pero pagando el alto precio de que el sonido por momentos se aplanaba tanto que sobre el escenario una sola guitarra hubiera bastado para conseguir el mismo resultado. Siguió así unos pocos temas más hasta que se incorporó la tercera guitarra y asomaron -sólo asomaron- algunos arreglos, mínimos pero efectivos de buen gusto. Y dos baladas hermosas ("Río en espiral" que en el cd lo canta junto a León Gieco y un nuevo tema, de su disco en preparación, demostraron que Antonio Birabent es capaz de hacer buenas melodías cuando quiere (y no siempre quiere) y que su voz está en un estado óptimo y se luce cuando la melodía se lo permite.
El show empezó a subir lentamente hasta llegar a las canciones que más pegaron en la gente: "Hoy" y el ya ¿clásico? "Salgo a caminar". Terminó con la promesa de retornar a Rosario con banda (así lo esperamos) para presentar "Buenos Aires", su próximo disco.
El lugar de arquitectura fashion y bien aporteñado (se confunde fácil con un boliche porteño) acompañó bien la onda indie-pop de Birabent. Las chicas se morían de ganas de besarlo y él se portó con frescura y sin pose de galán sobre el escenario.
Digno. Ese sería el mejor adjetivo que le cabe al recital de Antonio Birabent. Esperamos con ansia poder escucharlo con banda. No estuvo mal pero queremos más ... no es mucho pedir.

Marcelo Rossia (o Corso Gómez)

2004-03-05T03:42:00.000-03:00

Bienvenidos a Corso Gomez Ataca !!!! Un blog para leer algo de crítica de espectáculos y crítica cultural. Y siempre manteniendo las "manos limpias".